[Por Alfonso Méndiz, Colaborador de CinemaNet]

Parece que nuestra sociedad esté valorando poco una cualidad típicamente femenina: su capacidad de sacrificio por los demás: la madre que da su vida por un hijo, o por su marido, o por su familia. Una mujer fuerte y con coraje que saca adelante una familia numerosa, o que redime al marido a base de constancia, o que saca adelante a su prole cuando el padre ha muerto o está ausente. Es una pena, porque esta figura es un ejemplo paradigmático de cómo la mujer, muchas veces de forma silenciosa y oculta, es el auténtico pilar de la familia y de la sociedad. Y así ha sido reflejado en otras filmografías.

Quizás por eso me alegró descubrir hace unas semanas la lista que publicó Decine21 con “las 100 mejores películas de madres fuertes y con coraje“. Como suele suceder, no todas me convencen ni me parecen igualmente loables. Pero el listado es magnífico. Os lo ofrezco -con algunas adiciones y omisiones- en el orden en el que yo las pondría, por si os ayuda a seleccionar películas que podáis ver en casa, en un centro educativo o en una sesión de cine-fórum.

Como siempre, espero que me indiquéis cuáles os gustaron más, o cuáles añadiríais a este listado.

1. Mi pie izquierdo (Jim Sheridan, 1989)
2. The Blind Side (Un sueño posible) (John Lee Hancock, 2009)
3. El intercambio (Clint Eastwood, 2008)
4. La ganadora (Jane Anderson, 2005)
5. No sin mi hija (Brian Gilbert, 1991)
6. Las uvas de la ira (John Ford, 1940)
7. La Sra. Miniver (William Wyler, 1942)
8. En un lugar del corazón (Robert Benton, 1984)
9. Madre e hijo (Aleksandr Sokurov, 1997)
10. La madre (Vsevolod Pudovkin, 1926)

11. La habitación de Marvin (Jerry Zaks, 1996)
12. El aceite de la vida (George Miller, 1992)
13. Rocco y sus hermanos (Luchino Visconti, 1960)
14. Bellísima (Luchino Visconti, 1951)
15. Once (John Carney, 2006)
16. Juno (Jason Reitman, 2007)
17. Mahanagar (Satyajit Ray, 1963)
18. Plan de vuelo: Desaparecida (Robert Schwentke, 2005)
19 . Grbavica (Jasmila Zbanic, 2006)
20 . Mi mapa del mundo (Scott Elliott, 1999)

21. La boda de Tuya (Wang Quanan, 2006)
22. Solas (Benito Zambrano, 1999)
23. Una mamá en apuros (Katherine Dieckmann, 2009)
24. La mujer obsesionada (Henry Hathaway, 1959)
25. London River (Rachid Bouchareb, 2009)
26. Agnes Browne (Anjelica Huston, 1999)
27. Frozen River (Courtney Hunt, 2008)
28. La decisión de Anne (Nick Cassavetes, 2009)
29. Río salvaje (1994) (Curtis Hanson, 1994)
30. Un grito en la oscuridad (Fred Schepisi, 1988)

31. Tierras de penumbra (Richard Attenborough, 1993)
32. The Visitor (Thomas McCarthy, 2007)
33. Terminator 2: El juicio final (James Cameron, 1991)
34. El león en invierno (Anthony Harvey, 1968)
35. Amerrika (Cherien Dabis, 2009)
36. Paso decisivo (Herbert Ross, 1977)
37. Madame Curie (Mervyn LeRoy, 1943)
38. Corona de lágrimas (Alejandro Galindo, 1968)
39. La jurado (Brian Gibson, 1996)
40. El orfanato (Juan Antonio Bayona, 2007)

41. Stella Dallas (King Vidor, 1937)
42. La habitación del pánico (David Fincher, 2002)
43. Eclipse total (Taylor Hackford, 1995)
44. Los otros (Alejandro Amenábar, 2001)
45. A propósito de Henry (Mike Nichols, 1991)
46. Bailar en la oscuridad (Lars von Trier, 2000)
47. Erin Brockovich (Steven Soderbergh, 2000)
48. ¡Qué bello es vivir! (Frank Capra, 1946)
49 En el estanque dorado (Mark Rydell, 1981)
50. Raíces profundas (George Stevens, 1953)

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Como oficial de la CIA, Evelyn Salt (Jolie) hizo un juramento de deber y honor a su país. Su lealtad es puesta a prueba cuando un desertor le acusa de ser una espía rusa. Salt se da a la fuga y se ve obligada a utilizar todas sus habilidades y años de experiencia como espía encubierta para evitar que la capturen. Los esfuerzos de Salt para demostrar su inocencia sólo sirven para levantar aún más las sospechas acerca de sus motivos. Mientras continúa la caza para descubrir la verdad que se oculta tras su identidad, una pregunta sigue latente: “¿Quién es Salt?

Crítica en CinemaNet: Salt

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Título Original: Salt Dirección: Phillip Noyce. País: USA. Año: 2010. Duración: 101 min. Género: Acción, thriller. Interpretación: Angelina Jolie (Evelyn Salt), Liev Schreiber (Ted Winter), Chiwetel Ejiofor (William Peabody), Daniel Olbrychski (Orlov), August Diehl (Mike Krause), Hunt Block (Presidente Lewis), Andre Braugher (Secretario de Defensa). Guión: Kurt Wimmer. Producción: Lorenzo di Bonaventura y Sunil Perkash. Música: James Newton Howard. Fotografía: Robert Elswit. Montaje: John Gilroy y Stuart Baird. Diseño de producción: Scott Chambliss. Vestuario: Sarah Edwards. Distribuidora: Sony Pictures Releasing de España. Estreno en España: 20 Agosto 2010.

SINOPSIS

Como oficial de la CIA, Evelyn Salt (Jolie) hizo un juramento de deber y honor a su país. Su lealtad es puesta a prueba cuando un desertor le acusa de ser una espía rusa. Salt se da a la fuga y se ve obligada a utilizar todas sus habilidades y años de experiencia como espía encubierta para evitar que la capturen. Los esfuerzos de Salt para demostrar su inocencia sólo sirven para levantar aún más las sospechas acerca de sus motivos. Mientras continúa la caza para descubrir la verdad que se oculta tras su identidad, una pregunta sigue latente: “¿Quién es Salt?

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CRÍTICAS

[Julio R. Chico, La mirada de Ulises]

“Salt”: Entre la lealtad, la desconfianza y el sentimiento

La desconfianza siempre genera desconfianza, y si uno ha sido educado en ella y vive para una misión de Estado… entonces la propia identidad se difumina y la tensión acumulada puede hacer estallar por los aires cualquier historia que se construya. Por eso, a golpe de explosiones, persecuciones y disparos a quemarropa… Phillip Noyce va descargando a diestro y siniestro toda su munición en “Salt”… porque no se sabe quién es quién y todo sujeto es susceptible de ser un impostor y un traidor. Evelyn Salt es una agente de la CIA acusada por un desertor arrepentido de ser una espía rusa, y que se ve obligada a huir para poder demostrar su inocencia: sobre ella parece haberse elaborado una conspiración que trata de implicarla en un atentado contra el presidente ruso en su visita a los Estados Unidos. Acción, acción y más acción a rebufo de una banda sonora que no descansa y de un montaje trepidante, con dos finales para dos presidentes, a cuál más espectacular y fantasioso.

La historia de esta nueva inocente culpable nos alerta del peligro de una nueva Guerra Fría o más bien de la secuela de aquella, con algunos hombres educados para matar o para vengar a sus antepasados, con algunos nostálgicos que anhelan el resurgir de la Gran Rusia. Lo malo es que ahora, las armas nucleares suponen una amenaza de otro orden, y que el entramado y adiestramiento de los agentes secretos ha alcanzado unos niveles de sofisticación que hace que no se reconocen ni entre ellos. Espías y topos, agentes durmientes e individuos heridos emocionalmente, hombres buenos que no lo son tanto y hombres malos que luchan por sobrevivir en un entorno de venganza. Un universo en el que se trata de convertir al hombre/mujer en una fría y calculadora máquina sin sentimientos al servicio de una misión absoluta, negándole su capacidad de arrepentimiento y de amar.

La cinta ofrece todos los condimentos de las películas de acción y de espionaje político, con persecuciones urbanas en coche o entre los laberintos del búnker, con descensos por el hueco del ascensor que ni Spiderman lo hubiera hecho mejor. Buen ritmo para una narración que comienza con un justificativo –que no convincente ni necesario– flash back en Corea del Norte, y que tiene varios giros forzados para que la historia tenga cuerda suficiente hasta un desenlace abierto… a la espera de la segunda parte, con más venganza y ajuste de cuentas. Entre medias, nos queda un guión flojo para una historia algo confusa, unos increíbles saltos y fugas de Angelina Jolie, un rodaje correcto en las escenas de acción con la espectacularidad del atentado en la iglesia –casi una obra de gran ilusionista–, y también un suspense artificioso que deja permanentemente una puerta abierta a la sorpresa… porque todos parecen sospechosos y porque no sabemos el papel del aracnólogo.

Este blockbuster será del agrado de quienes busquen acción e intriga política, y dejará satisfechos a quienes sólo pretendan pasar un rato entretenido inmersos en una trama de espionaje. Abundan los tópicos, y los personajes se definen únicamente por sus acciones y no por su caracterización en el guión o en la interpretación, mientras que Angelina Jolie se presenta como el objetivo absoluto de la cámara y también de todos los servicios secretos rusos y americanos… perdidos entre tanta desconfianza y ambigüedad, desconcertados entre el poder de la lealtad y el de los sentimientos.

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Título Original: The secret of kells Dirección: Tomm Moore. Codirectora: Nora Twomey. Países: Francia, Bélgica  e Irlanda. Año: 2009. Duración: 75 min. Género: Animación, aventuras, fantasía. Doblaje original: Evan McGuire (Brendan), Christen Mooney (Aisling), Mick Lally (Aidan), Brendan Gleeson  (Abbot Cellach). Guión: Fabrice Ziolkowski; basado en la novela gráfica de Tomm Moore. Producción: James Flynn. Música: Bruno Coulais. Montaje: Fabienne Alvarez-Giro. Dirección artística: Ross Stewart. Distribuidora: Karma Films. Estreno en España: 20 Agosto 2010.

SINOPSIS

Brendan, un joven monje de 12 años, vive en una remota abadía fortificada de Kells, en la Irlanda del siglo IX. Junto con el resto de hermanos, ayuda a construir una muralla para proteger la abadía de los asaltos de los vikingos. Pero una nueva vida de aventuras se presenta ante él cuando conoce a un famoso maestro que llega de tierras extranjeras, cuidando de un antiguo libro mágico que está inacabado. Con la esperanza de terminarlo, Brendan saldrá de la abadía por primera vez y se internará en el peligroso bosque, habitado por todo tipo de criaturas…

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CRÍTICAS

[Víctor Alvarado, Cine y Libertad]

En una época en la que el cine de animación en tres dimensiones copa las carteleras españolas. Existe una pequeña producción irlandesa, que todavía se atreve con la animación tradicional y nos ofrece una pequeña perla que merece la pena se tenida en cuenta por los valores que transmite. La historia gira entorno a un monje de 12 años, que vive en la abadía fortificada de Kellls que trata de reforzarse para protegerse del posible ataque de los vikingos en el siglo IX DC. El citado monje, llamado Brendan, se encuentra bajo el amparo del abad, su tío, que le educa con una férrea disciplina, ya que sus padres fueron asesinados.

Tomm Moore ha conseguido llevar a esta obra al lugar más alto en el que podía estar, pues fue nominada a los Óscar 2010, teniendo que enfrentarse a muros infranqueables como Tiana y el sapo (2009) o Up (2009). No obstante, esta diminuta joya ha recibido premios, en festivales repartidos, especialmente, por la geografía Europea como Zagreb, Edimburgo o Dublín.

El autor utiliza una técnica de dibujo muy sencilla, pero original para narrarnos una historia que puede atraer a un público infantil en la que el adulto no se sentirá desplazado porque las sub-tramas que se ofrecen pueden interesar a los más mayores. El misterio que encierra este cuento se centra en una pieza de gran valor artístico como es el libro de Kells, que contiene los cuatro Evangelios. Por otra parte, este relato cinematográfico trata de explicarnos como era la vida de los pueblos de la edad media. Una época en la que los habitantes de diversas zonas del viejo continente se encontraban resguardados bajo el manto de la Iglesia.

La cinta bebe de las fuentes de la cultura católica combinada con las tradiciones celtas. Sin embargo, al director parece importarle contarnos la influencia de los cristianos en la sociedad irlandesa y como los monjes fueron los encargados de transmitir la cultura durante siglos, presentando unos valores que se oponían a los sanguinarios desmanes de los paganos vikingos.

[decine21]

La imaginación al poder

Brendan, un aprendiz de monje de tan sólo 12 años, vive en la abadía irlandesa de Kells, que gobierna su tío, el abad Cellach. Es el siglo IX, y están construyendo una muralla alrededor del monasterio por temor a los peligros exteriores, personificados en el pagano Crom Cruach, que siembra el terror en la zona con los ataques de sus hombres. La llegada al lugar del hermano Aldan, que custodia el legendario libro de Iona, estimula la imaginación de Brendan y su deseo de conocer el bosque, fuera del monasterio, donde acaba trabando amistad con Aisling, una jovencita espíritu del bosque.

Original película de animación que logró ser nominada al Oscar, toda una hazaña ante la fuerte competencia de Disney, Pixar, DreamWorks, Ghibli y Blue Sky. De hecho, se trata del primer film de dibujos de Cartoon Saloon, compañía cofundada por el codirector Tomm Moore. La trama es muy clásica y arquetípica, la del chico que ha vivido sobreprotegido toda su vida, y que tiene deseos de conocer el mundo. Lo novedoso es el marco de la historia, el folklore irlandés donde no faltan las hadas, junto a detalles históricos de los monasterios medievales y el famoso y precioso libro de Iona, confeccionado en honor a San Columbo. Y sobre todo, el diseño visual, muy original, inspirado en los libros miniados, lleno de colorido, con un inteligente uso de la bidimensionalidad. Hay pasajes especialmente logrados, singularmente el despiadado ataque de los vikingos, elíptico en la violencia, y con momentos muy poéticos; el hecho de que tiene lugar en invierno, da pie a imágenes que se dirían inspiradas en “Paisaje de invierno con patinadores” de Pieter Brueghel el Viejo. La hermosa partitura de Bruno Coulais da más belleza aún al conjunto.

No hay pretensión de realismo en los fondos, menos todavía en las escenas de sueños, sino que de alguna forma se sugieren mundos oníricos, de un modo imaginativo, no en balde, la llamada a no ahogar la imaginación es uno de los temas importantes de esta atractiva película. Otra cuestión principal en la historia es el miedo como sentimiento paralizante, capaz de dar al traste con los acciones positivas a que está llamado todo ser humano.

El libro de Kells existe en la realidad y fue probablemente hecho en un monasterio de la Isla de Iona, Escocia, para honrar a San Columbo en el siglo VIII. Después de una invasión vikinga, el libro fue trasladado a Kells, Irlanda, en algún momento del siglo IX. Fue robado en siglo XI y abandonado en una zanja, sin cubierta. Ésta, al parecer, estaba hecha de oro y piedras preciosas y nunca fue encontrada. Exceptuando el daño normal del agua, el libro se conserva en excelente estado. En 1541 a la altura de la Reforma Inglesa, el libro fue custodiado por la Iglesia católica. En el siglo XVII fue devuelto a Irlanda, donde el Arzobispo James Ussher la entregó al Trinity College, donde se conserva hasta hoy.

El Libro de Kells fue escrito en velo de piel de becerro, lo que llevaba mucho tiempo de preparación, pero constituía una superficie excelente y lisa para la escritura. 680 páginas se mantienen hoy en perfecto estado, de los cuales solamente dos, carecen de ornamento artístico. Algunas de las páginas tienen principalmente dibujos y poco texto. Casi 10 colores diferentes fueron utilizados en las ilustraciones, algunos de ellos especiales y costosos que tenían que ser importados. El trabajo es tan fino que algunos detalles solamente pueden ser vistos con lupa.

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Título original: The last Airbender. Dirección: M. Night Shyamalan. País: USA. Año: 2010. Duración: 105 min. Género: Acción, aventuras, fantástico. Interpretación: Noah Ringer  (Aang), Nicola Peltz (Katara), Jackson Rathbone (Sokka), Dev Patel (príncipe Zuko), Seychelle Gabriel (princesa Yue), Aasif Mandvi (comandante Zhao), Shaun Toub (Iroh), Cliff Curtis (Ozai). Guión: M. Night Shyamalan; basado en la serie animada “Avatar: The last Airbender”, creada por Michael Dante DiMartino y Bryan Konietzko. Producción: M. Night Shyamalan, Sam Mercer y Frank Marshall. Música: James Newton Howard. Fotografía: Andrew Lesnie. Montaje: Conrad Buff. Diseño de producción: Philip Messina. Vestuario: Judianna Makovsky. Distribuidora: Paramount Pictures Spain. Estreno en España: 6 Agosto 2010.

SINOPSIS

El mundo está envuelto en las llamas de la guerra, y nadie tiene el poder para detener la inevitable destrucción… hasta ahora. Durante casi un siglo, la Nación del Fuego ha llevado a cabo su mortífera campaña para dominar en todo el mundo a sus habitantes, las tribus del Aire, el Agua y la Tierra. Sólo le ofrecen una alternativa a las tribus que sucumben ante su poder: la rendición total, o la completa aniquilación. Un día, la joven maestra del agua Katara  se encuentran con un joven llamado Aang. Pero, al hacerse patentes los poderes de Aang como maestro del Aire, Katara y Sokka se dan cuenta de que han encontrado algo más que al último maestro del Aire.

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CRÍTICAS

[Sergi Grau, Colaborador de CinemaNet]

Tres de las posibles formas de aproximarse a esta película podrían ser, primera, glosarla como adaptación, relacionar y comparar la película con el sustrato televisivo del que parte; segunda, cotejarla con el resto de la filmografía de M. Night Shyamalan, buscando las razones, puntos fuertes y débiles de este punto en concreto de la carrera cinematográfica del autor de El Sexto Sentido; tercera, desentrañarla desde el punto de vista del género del que participa, la heroic fantasy, y en el contexto de las recientes aportaciones al mismo que la industria nos ha ido presentando desde que Peter Jackson triunfara con su adaptación de El Señor de los Anillos.

La verdad es que difícilmente puedo encarar la primera y lógica posibilidad de análisis habida cuenta de que desconozco totalmente la serie televisiva que sirve de sustrato a la película. Partiendo de datos objetivos y del contenido argumental de la película, decir que The Last Airbender está basada en la primera temporada de la serie animada denominada Avatar: la leyenda de Aang (de hecho, al respecto, recuerdo que uno de los working titles del filme era precisamente Avatar, que posteriormente debió modificarse por, huelga decirlo, el estreno de la película de James Cameron); se trata de una galardonada serie de televisión animada estadounidense creada por Michael Dante DiMartino y Bryan Konietzko y producida por la cadena televisiva Nickelodeon, que en su manufactura y estética recibe fuertes influencias del anime y el manga.

Emitida en tres temporadas, de 2005 a 2008 en Estados Unidos, la serie ubica las canónicas aventuras de artes marciales en un universo fantástico imbuido de elementos de espiritualidad oriental, traducido en una descripción geográfica conformada por reinos correspondientes a diversos elementos (Tierra, Agua, Fuego y Nómadas del Aire), y que pone en la picota la habilidad de diversos personajes –eminentemente ese Avatar presente en el título de la serie y descrito como “el último guerrero” en el de la película en España– de manipular esos elementos y utilizarlos como herramienta de lucha al tiempo que como estandarte de esa espiritualidad. La labor desarrollada por Shyamalan en la película (guionista adaptador en solitario) pretende glosar en formato largometraje los veinte capítulos que conformaban la primera temporada.

La de varapalos que le han llovido al cineasta por todas partes nos sirve para introducir la segunda perspectiva de análisis, centrada en la posición de esta The Last Airbender en la filmografía del cineasta, y también para cerrar el comentario referido a la adaptación diciendo que muchas voces, que no comparto ni acredito ni desacredito ni desmiento, consideran que malbarata el interés de la serie.

También se le ha criticado, a menudo con saña, el infantilismo de la propuesta, algo demasiado relativo como para ser expuesto a secas; y también, y en eso sí que estoy plenamente de acuerdo, los problemas relacionados con un montaje algo deslavazado: Jordi Costa, en su comentario publicado en Fotogramas, comenta que la película “tiene pinta de ser una de esas películas que han sufrido lo indecible en la sala de montaje”, algo que sin duda conecta con la quebradiza posición en la industria de Hollywood de quien antaño se labrara el mayor prestigio (con los tres éxitos consecutivos de El Sexto Sentido, El Protegido y Señales), para luego irlo perdiendo con los progresivos fracasos, de público y crítica, especialmente la autóctona, de sus siguientes películas El Bosque (The Village), La Joven del Agua y El Incidente; del mismo modo que El Incidente, filme con aroma a serie B afiliable a la tendencia catastrofista del cine fantástico en los últimos años y al mismo tiempo amparado en una premisa extravagante pero original, suponía un matizable run for cover del cineasta tras el resultado fallido de La Joven del Agua, su obra probablemente más personal (o al menos en la que exponía de la forma más radical los conceptos que le interesan y que siempre están presentes en sus relatos).

Puede decirse que esta The Last Airbender es una matizable vuelta al ruedo del mainstream: Shyamalan ya no tiró de un material original, buscando una fórmula comercial tanto en lo general (el género en boga) cuanto en lo particular (el éxito de la serie televisiva), y es seguro que no pudo asumir con la misma libertad que antaño tuvo el control creativo en todas las fases de producción; de ello se sigue ese comentario de Jordi Costa, bien apreciable en las imágenes de la película, sobretodo en el desarrollo narrativo entre las set-pieces climáticas de acción y en los diálogos; en esos pasajes intermedios da la sensación de que la película que estamos viendo es un reader’s digest de una versión mucho más extendida (que no sé si existe, existirá o quedará, como en tantas otras ocasiones, en el limbo de “lo que pudo haber sido” –aunque, en todo caso, acuso que la versión estrenada, que dura poco más de hora y media, supone un metraje quizá innecesariamente ceñido para este tipo de producciones–), perdiendo con el canje el empaque atmosférico (que sí habita en los momentos climáticos) y parte del dramático (pues aunque la crítica también se ha cebado a menudo en los intérpretes, creo que el problema, sí que en parte identificable con una dirección tal vez demasiado expeditiva –por ejemplo, a la manera de Lucas en su segunda trilogía de Star Wars–, tiene más que ver con la falta de oxígeno en el apartado narrativo referido a la descripción de personajes).

Esa mengua en el control creativo, que en realidad resulta del todo lógica en términos industriales –pues no hubiera tenido lugar si Shyamalan hubiera optado de nuevo por una cinta de perfil más low-budget–, revierte, para decirlo de un modo resumido, en una cierta falta de convicción, la de Shyamalan por la que atañe a las imágenes de la película, a menudo en peligro de quedarse en tierra de nadie, entre el artificio con estética disneyiana y ciertos arrebatos, intermitencias, de sabiduría fílmica innegable, que si no cuajan del todo bien es precisamente por culpa de un desacompasado tempo narrativo.

Esa falta de convicción debe tenerse en cuenta a la hora de abordar el análisis desde el punto de vista de la pertenencia al género de la película. Al respecto, podemos regresar a los comentarios más extendidos sobre la película –éste, que no sé si debe entenderse como una crítica negativa a la misma–, que viene a decir que nos hallamos ante la obra más impersonal del cineasta (o más antishyamalaniana, según casi impronunciable vocablo que he leído en alguna parte). La verdad es que esa aseveración tiene que ver con diversos de los motivos expuestos en el párrafo anterior (lo relacionado a la arritmia, no lo que tiene que ver con los diálogos, pues Shyamalan puede ser pertinente en sus diálogos, pero raramente brillante, y a menudo es muy poco sutil, como atestiguan obras como Señales o La Joven del Agua, e incluso El Bosque en sus pasajes finales), y, en correspondencia, con razones de escenografía.

Pero, por otra parte, debe refutarse tomando otros considerandos. Primero, que The Last Airbender, en su afiliación al heroic fantasy, debe participar de ciertas convenciones narrativas que difícilmente casan con la introspección psicológica de los títulos que la mayoría aún retienen como lo mejor del cineasta: El Sexto Sentido y El Protegido, y los raíles genéricos, sobretodo en el cine comercial, y sobretodo en un espacio de la épica maximalista, no pueden ni deben desnaturalizarse tan fácilmente. Y segundo, y eso es lo esencial, que en esta historia sobre las naciones del Aire, el Agua, la Tierra y el Fuego enlazadas por un destino escrito en los oráculos viven, e incluso cabe pensar que desaguan, o que es su cauce más natural, el grueso de obsesiones temáticas de Shyamalan, las cuestiones referidas a lo fabuloso y lo legendario, la preponderancia de las fuerzas de la naturaleza y, sobretodo, el nexo de la espiritualidad como conditio sine qua non y catalizador del todo.

Si en todas las películas previas del director existía uno (o más) proceso(s) de revelación de algo fantástico o mágico que pasaba por un esfuerzo de Fe en el personaje implicado, en esta ocasión la Fantasía ya no necesita hallar un camino, pues ya el género la convierte en premisa, y, empero, como reflejo inverso, aquí hay personajes que cuestionan la sabiduría de los oráculos y las fuerzas sobrenaturales (el senescal del Rey de la tierra del Fuego, quien destruirá uno de esos espíritus). Y en cualquier caso, por supuesto, está la celebración de la Fe como acicate del éxito de la proeza que lleva a cabo el protagonista de la función, al aceptar su condición y su celibato (por no hablar de la materialización de esa gesta, las impresionantes imágenes infográficas del agua alzándose sobre el destino de los hombres, expresión narrativa de obvias connotaciones bíblicas).

[Decine21]

El otro avatar

Giro radical en la carrera de M. Night Shyamalan, que aunque se mantiene en el género fantástico, renuncia a su tono adulto habitual, así como a reservarse, como hasta ahora, un papel. Por primera vez parte de un material ajeno. En concreto, el realizador adapta Avatar: The Last Airbender, una serie animada de Nickelodeon. El director de El sexto sentido la descubrió porque la seguían sus hijas, y se declara también seguidor incondicional. Airbender: El último guerrero está concebido como el inicio de una saga, y de hecho se limita a ser el arranque de la historia con final abierto.

A pesar de que la serie es americana, su estética y argumento beben de las series de animación manga. Se desarrolla en un mundo dividido en cuatro reinos: Aire, Agua, Tierra y Fuego. En cada lugar, hay maestros capaces de controlar el elemento correspondiente. La Nación del Fuego trata de conquistar las otras tierras, aniquilando a todos los que se resistan.

La Nación del Aire ha sido invadida, y está a punto de correr la misma suerte la del Agua. Allí, la joven maestra del agua Katara y su hermano Sokka practican tranquilamente sus técnicas cuando descubren en el hielo a un niño, Aang, que asegura ser el Avatar, personaje al que aluden las profecías. El Avatar es el único que puede controlar a los cuatro elementos, y gracias a esto podría detener el avance de la Nación del Fuego y recuperar el equilibrio…

Es posible que Shyamalan haya aceptado ceñirse al juego de las superproducciones para cambiar de aires, tras las habituales críticas negativas que le han caído, sobre todo en Estados Unidos, cuando ha rodado películas muy personales de altura. Quizás ha pensado que podría complacer a Nickelodeon con una adaptación muy fiel del original, y al tiempo ofrecer reflexiones sobre la superación personal y el sacrificio.

Pero en la práctica, Shyamalan no ha logrado preservar sus señas de identidad, y su película es más plana que una tabla de planchar. Sus personajes son arquetipos de héroes o malvados, sin ningún atisbo de humanidad. Hablan con frases grandilocuentes, de tebeo barato, que Tarantino podría parodiar en sus películas. Así las cosas, ningún actor consigue resultar creíble, ni siquiera Dev Patel, que tan buen sabor de boca dejó como protagonista de Slumdog Millionaire.

El argumento es pueril, repetitivo, y sobre todo aburrido. Su supuesto fondo se reduce a bocanadas de misticismo oriental y new age bastante superficiales. Y lo que es más grave, fallan sus coreografías, supuestamente espectaculares, que podrían haber salvado el conjunto. Ninguna de ellas sorprende, y están filmadas en una cámara lenta que llega a resultar tediosa.

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Un experto en introducir ideas en los sueños de la gente (Cobb) es contratado para entrar en la mente del heredero de una importante corporación energética y sembrar en él unas emociones que le conduzcan a tomar determinadas decisiones empresariales que benefician al contratante (Saito). A cambio de esa operación ilegal, Cobb obtendría permiso para volver a su país y reunirse con sus hijos, ya que tiene un proceso judicial abierto contra él.

Crítica en CinemaNet: Origen

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Título original: Inception. Dirección y guión: Christopher Nolan. Pais: Reino Unido. Año: 2010. Duración: 150 min. Género: Acción, ciencia-ficción, thriller. Interpretación: Leonardo DiCaprio (Cobb), Ken Watanabe (Saito), Joseph Gordon-Levitt (Arthur), Marion Cotillard (Mal), Ellen Page (Ariadne), Tom Hardy (Eames), Cillian Murphy (Robert Fischer), Tom Berenger (Browning), Michael Caine (Miles), Lukas Haas (Nash), Pete Postlethwaite (Maurice), Dileep Rao (Yusuf). Producción: Christopher Nolan y Emma Thomas. Música: Hans Zimmer. Fotografía: Wally Pfister. Montaje: Lee Smith. Diseño de producción: Guy Hendrix Dyas. Vestuario: Jeffrey Kurland. Distribuidora: Warner Bros. Pictures International España. Estreno en España: 6 Agosto 2010.

SINOPSIS

Dom Cobb es un hábil ladrón, el mejor en el peligroso arte de la extracción: el robo de valiosos secretos desde la profundidad del subconsciente durante el sueño, momento en que la mente es más vulnerable. La excepcional capacidad de Cobb le ha permitido llegar a ser un codiciado jugador en este nuevo mundo de espionaje corporativo, pero también le ha convertido en un fugitivo internacional y le ha hecho perder todo lo que le importaba. Ahora se le ofrece la oportunidad de redimirse. Un último trabajo podría devolverle su vida anterior si logra lo imposible. En lugar del robo perfecto, Cobb y su equipo de especialistas tienen que invertir la operación; su trabajo no consiste en robar una idea, sino en colocar una. Si tienen éxito, podría ser el crimen perfecto.

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CRÍTICAS

[Julio R. Chico - La Mirada de Ulises]

Volver a casa

Con Christopher Nolan en el guión y la dirección, sabemos que iniciaremos un viaje de cine a través de la mente atormentada y laberíntica de su protagonista, y también que lo onírico se mezclará con lo real hasta confundirse en varios estratos y hacer que el espectador se cuestione la verdad de lo que ve. En un mundo de ficción donde la espectacularidad de las imágenes y su fuerza visual son el primer reclamo, “Origen” esconde otra realidad que se nos irá mostrando a medida que avanza la historia y nos sumerge en los tres niveles de sueños con sus personajes. Cobb es un ladrón de secretos del subconsciente que, tras fracasar en una misión y con el único deseo de poder volver a ver a sus dos hijos, acepta un difícil y arriesgado trabajo: introducir una idea simple en la mente de Fischer –heredero de un imperio financiero– hundiéndose con él en lo más profundo de su mente, para así redimirse y curar oscuras heridas sangrantes.

La idea simple de Nolan no es otra que la necesidad de liberarse del sentimiento de culpa y de creer en uno mismo, de vivir una realidad que no se puede diseñar y de no refugiarse en los recuerdos convertidos en cárcel. Su cine hurga en el pasado y recupera experiencias con las que crear sueños, en un intento por reparar el desajuste producido en la personalidad y en la realidad emocional: identidades confusas en busca del padre ausente e imágenes virtuales grabadas a fuego en el alma que la muerte dejó, remordimientos más fuertes que el amor y la necesidad de tener seguridad en uno mismo y olvidar el pasado.

Cobb y Fischer son, en realidad, almas gemelas en profunda agitación, heridas por la culpa o por la decepción, que precisan su bajada a los infiernos para ganarse su libertad interior en una segunda oportunidad. De las dos tramas principales, mejor la de Cobb y su sentimiento de culpa que la de Fischer y su baja autoestima, mientras que la subtrama de las corporaciones económicas o el sueño de la nieve están un peldaño por debajo.

Por eso, “Origen” es una preciosa e intensa historia de amor hasta la vejez, y también la crónica de una relación paterno-filial que exigía una conciliación. El triple salto mortal con sedación incluida genera una arquitectura de sueños compleja, exigente y arriesgada, pero milimétricamente construida. Nada sobra y nada falta en un guión de hierro en el que todo cobra sentido hasta un plano final antológico… que se cierra antes de lo que el espectador espera, dejándole la sensación de duda sobre si habrá sido todo un sueño…

Cuando los protagonistas han llegado al tercer nivel, la complejidad narrativa y el clímax dramático alcanza su punto más elevado, y las conexiones e implicaciones entre los diversos sueños y la realidad –con su distinta percepción temporal– nos dan imágenes de gran fuerza y brillantez, como ese mundo de Cobb y su mujer que se desmorona ante nuestros ojos, o esa furgoneta que cae al río y provoca que los adormecidos huéspedes del hotel floten sin gravedad o que el alud de nieve amenace con el fracaso de la misión.

Quien acuda a ver “Origen” debe saber que el mundo de Nolan no entiende de lógica racional, que los acontecimientos suceden sin aparente orden ni concierto en la mente de los personajes, y que deberá poner los cinco sentidos para no perderse entre tanto laberinto mental y emocional. Si entiende ese presupuesto onírico e irreal, si acepta la ruptura del universo espacio-temporal, entonces se sentirá atrapado por la barroca e intrincada historia –pero clara y muy bien narrada–, y las más de dos horas se le pasarán volando… por los aires o por las carreteras, entre persecuciones y tiroteos, entre individuos reales y otros que son proyecciones del subconsciente, entre hermosos recuerdos de unos enamorados que quisieron construir un mundo para ellos y para siempre y otros momentos de intenso dramatismo –la escena del ascensor es brillante y muy subyugante–.

Al final, parece que el virus incubado por la mentira y la utopía puede ser destruido si se intenta de nuevo, que la realidad es más bella que la ficción aunque sea imperfecta, y que el amor puede perdurar sin necesidad del suicidio… aunque siempre se ha dicho que el amor tiene algo de locura.

Perfecto guión –aunque se repite más de una vez explicando la dinámica de los tres niveles, con su sedación y patada a salir… temiendo que alguien se quede perdido– para una impactante puesta en escena y unos efectos especiales muy logrados –esos edificios parisinos que se pliegan sobre sí mismos o esas primeras explosiones vistas desde la terraza son impresionantes–, con fotografía y música que generan mundos paralelos inquietantes, y unas interpretaciones que no hacen sino confirmar la fuerza que Leonardo DiCaprio da a sus personajes, la personalidad que transmite la sola presencia de Ken Watanabe o Michael Caine, la dulzura y elegancia de Marion Cotillard, la mirada enigmática y ambigua de Cillian Murphy, o la prometedora carrera que le espera a Ellen Page.

La cinta gustará a quienes hayan disfrutado con películas como “Memento”, “Shutter Island” (con el mismo alma atormentada) o “Matrix”, dará para hablar sobre escenas muy visuales, sobre teorías del sueño y de la culpa, sobre realidades de amor y de muerte que a veces se mezclan y confunden… como sucede a nuestros eternos enamorados.

[Juan Orellana, Páginas Digital]

Con una acogida extraordinaria de la crítica internacional, Origen, de Christopher Nolan, se presenta como una renovación del género de la ciencia ficción. Es pronto para decir eso, pero indudablemente se trata de una apuesta original, arriesgada e interesante. Además, para compensar lo poco comercial de su propuesta narrativa, cuenta con un reparto de indiscutible altura, encabezado por Leonardo di Caprio, Ken Watanabe, Marion Cotillard y Ellen Page, entre otros…. También aparecen muy brevemente actores de la talla de Michael Caine o Pete Postelwaite. Esta película puede analizarse desde muchas perspectivas sugerentes, pero nosotros vamos a centrarnos en aquellos aspectos que plantean con radicalidad varias cuestiones de clara caracterización posmoderna.

Una breve referencia argumental: un experto en introducir ideas en los sueños de la gente (Cobb) es contratado para entrar en la mente del heredero de una importante corporación energética y sembrar en él unas emociones que le conduzcan a tomar determinadas decisiones empresariales que benefician al contratante (Saito). A cambio de esa operación ilegal, Cobb obtendría permiso para volver a su país y reunirse con sus hijos, ya que tiene un proceso judicial abierto contra él.

Por un lado, Origen reutiliza los presupuestos del psicoanálisis y entroniza al contenido del inconsciente como el auténtico señor y dominador de la vida de las personas. Lo inconsciente se impone a la libertad y a la voluntad de los sujetos. Los protagonistas introducen un contenido deliberado en el inconsciente, a través de sueños de tercer grado, sabiendo que dicho “mensaje” le obligará a actuar de una determinada manera. Se trata de un determinismo psicologista que deja al hombre a merced de sus emociones de ignota raíz inconsciente. De la misma forma, Cobb exorciza su sentimiento de culpabilidad, no mediante un proceso exterior, al modo de la confesión católica, sino ajustando cuentas con su inconsciente, y con sus proyecciones oníricas.

Como consecuencia de ambas cosas se podría concluir que en el film se diviniza al inconsciente, pero no es así, ya que éste puede ser manipulado por expertos de la mente humana, como son nuestros protagonistas. El dios de este nuevo Matrix es el hombre mismo, que controla todo, pero no cualquier mortal, sino una minoría capaz de manipular psíquicamente a los demás. No existe en el film la más mínima alusión trascendente, no hay ninguna fisura en la claustrofóbica inmanencia en la que está sumergido el guión. Es más, al nivel más profundo de los sueños, del que no se puede salir, se le denomina “limbo”, una toponimia de origen religioso que aquí se reviste de mero psiquismo.

El mundo de los sueños se plantea como una realidad paralela muy poderosa, que muchos han elegido como realidad principal (recordemos los “onirómanos” de Mombasha). De hecho, el plano de lo real ocupa poquísimo espacio en la duración del largometraje, y la película, bajo su formato de thriller de ciencia ficción, no es más que una inmersión onírica. Se puede pensar que eso mismo es predicable de muchas obras, como El Mago de Oz, pero si ésta se plantea como una sublimación de la realidad en el deliberado mundo de los cuentos infantiles, Origen lo hace en el mundo de la ciencia ficción posible, en un futurible cientificista. Dicho de otra manera, se plantea como un relato metafísicamente posible. El mundo de los sueños se propone como la tierra prometida de la creatividad, de la liberación de las ataduras espacio-temporales de nuestra condición material regida por las leyes inexorables de la física.

Lo más humano de la propuesta argumental tiene que ver con los lazos familiares, en un conflicto dramático de reunificación familiar. La motivación del protagonista es volver a encontrarse con sus hijos en el mundo real, y verles la cara, algo vedado en el mundo de sus sueños. Y es lo más humano, no tanto por una reivindicación de la paternidad, sino porque es la única trama que plantea los anhelos humanos en el plano de la realidad “consciente”.

De entre las muchas referencias cinematográficas de Origen que los críticos y el propio Nolan traen a colación, llama la atención la comparación con Solaris, de Tarkovski. Aunque el conflicto dramático de ambas tiene en común una esposa muerta, el film ruso transpira sensibilidad religiosa por los cuatro costados: es una historia sobre las condiciones de lo trascendente y de la eternidad, categorías radicalmente desterradas por Nolan. En un plano más epidérmico, la comparación de Origen con ciertas entregas de 007, parece más plausible, aunque únicamente aplicable a las escenas de acción.

Desde el punto de vista narrativo, la película es también muy posmoderna, ya que, en coherencia con su anterior filmografía, Nolan se distancia de una narrativa clásica para ofrecernos una compleja estructura de narraciones superpuestas. No se trata de un tradicional montaje paralelo, algo absolutamente clásico, sino que cada narración se incluye dentro de otra, y así hasta cinco círculos concéntricos, en cada uno de los cuales el tiempo transcurre a velocidad cada vez más lenta. El espectador que no se haga con esta dinámica en la primera media hora abandonará irremisiblemente la sala.

[Decine21]

Y los sueños, sueños son

Un futuro no muy lejano, en que se ha desarrollado una técnica que permite introducirse en los sueños ajenos. Y en su subconsciente la persona “asaltada” puede desvelar a sus “asaltantes” secretos ocultos, de valor lucrativo o que permiten su manipulación. Cobb lidera un grupo de “ladrones de sueños”, que desea dejar tal actividad. Pero acusado del asesinato de su mujer Mal, y alejado de sus dos hijitos en Estados Unidos, recibe de Saito, un hombre poderoso, una oferta que no puede rechazar: deberá sumergirse en la cabeza de Robert Fischer, heredero de un gran imperio económico, e implantar en su mente, como si fuera una idea propia -”origen“, o en inglés “inception“-, la liquidación del conglomerado que creó su padre; a cambio podrá reunirse con los suyos e iniciar una vida nueva. Con su equipo y la “arquitecta” de escenarios para los sueños Ariadne intentará una operación muy compleja, que podría dejar a todos en una especie de limbo.

Christopher Nolan, guionista y director del film, prueba de nuevo -recuérdese que es el responsable de Memento, Insomnio (2002), El truco final y El caballero oscuro- que es uno de los cineastas más creativos de la actualidad. No necesita acudir al 3D -pero sí a los efectos visuales- para entregar una historia imaginativa, de increíbles cualidades hipnóticas, sólida en su compleja arquitectura narrativa, y, para qué negarlo, difícil de seguir. En tal sentido el mérito es lograr que el espectador no se pierda demasiado, entienda el meollo de la cuestión -la tentación de evitar la realidad entreteniéndose en otros mundos más atractivos pero no verdaderos, al estilo Matrix- y vibre con la inmersión en el mundo de los sueños en tres niveles, donde el riesgo de no despertar, y las soluciones improvisadas a los obstáculos que surgen, proporcionan muchas emociones. De modo que hasta los pasajes oscuros, más que indignar, animan debates sobre el significado de tal o cual pasaje, e invitan a revisar la cinta. O sea, hay decir que Nolan apela a la inteligencia del espectador, no subestima su capacidad de esforzarse por entender, algo muy agradecible en el mundo de filmes planos que habitualmente entrega Hollywood.

Las imágenes son de gran belleza, los mundos que se pueden crear dentro de un sueño sencillamente deslumbran, verdaderamente se puede innovar y crear con los efectos especiales, véanse los momentos de no-gravedad, pura magia. Pero además Nolan acierta en la definición de personajes y conflictos, y en el atinadísimo reparto. El drama familiar de Cobb -Leonardo DiCaprio, en otra historia “mental” tras Shutter Island, con su trastornada esposa, Marion Cotillard, a la que no puede olvidar- se despliega con gran habilidad gracias al personaje de Ellen Page, una universitaria brillante que sabe adivinar lo que oculta a sus “compañeros de sueños”, o de su compañero de equipo interpretado por Joseph Gordon-Levitt. Hay espacio para la sorpresa, y el modo en que discurre el plan de “sembrar” en la cabeza de Fischer -bien, Cillian Murphy- conduce a un clímax espléndido, de inesperada poesía.

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Entretenida película en la que si uno se abstrae de algunas salidas de pistas y de la inverosimilitud de todo el argumento, pasará un rato muy divertido con esta comedia de acción, que mezcla la sofisticación de la saga James Bond con recursos narrativos de Alfred Hitchcock.

Crítica en CinemaNet: Noche y Día

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Título original: Grown ups. Dirección: Dennis Dugan. País: USA. Año: 2010. Duración: 103 min. Género: Comedia. Interpretación: Adam Sandler (Lenny Feder), Kevin James (Eric), Chris Rock (Kurt), David Spade (Marcus), Rob Schneider (Rob), Salma Hayek (Roxanne), Maria Bello (Sally), Maya Rudolph (Deanne), Steve Buscemi (Wiley), Tim Meadows (Malcolm). Guión: Adam Sandler y Fred Wolf. Producción: Adam Sandler y Jack Giarraputo. Música: Rupert Gregson-Williams. Fotografía: Theo Van de Sande. Montaje: Tom Costain. Diseño de producción: Perry Andelin Blake. Vestuario: Ellen Lutter. Distribuidora: Sony Pictures Releasing de España. Estreno en España: 30 Julio 2010.

SINOPSIS

Cinco amigos y ex-compañeros se reencuentran después de 30 años, por el fallecimiento del que fuera su entrenador de baloncesto en la infancia. Con sus esposas e hijos a cuestas, pasarán un fin de semana en una casa en el lago, en la que celebraron su campeonato años atrás. Esta experiencia les servirá para darse cuenta que a pesar de tener más edad realmente no han crecido.

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CRÍTICAS

[Decine 21]

Pitido final

Han pasado 30 años desde que cinco chavales se convirtieran en campeones con su equipo de baloncesto. Su entrenador les aconsejó entonces que trataran de llevar una vida de la que se sintieran orgullosos, para que cuando el pitido final de su existencia sonara, no se arrepintieran de las decisiones tomadas. Dicho pitido final ha llegado para el entrenador, y los cinco muchachos ya crecidos y con sus respectivas familias, se reúnen en su pueblo natal para darle el último adiós.

Nueva colaboración del director Dennis Dugan con Adam Sandler (Zohan: Licencia para peinar), que para el cineasta ha supuesto la consecución de uno de sus mejores trabajos -el listón no es que estuviera muy alto-. La película es una comedia ligera que sigue la línea de otros trabajos de Sandler como Spanglish -de calidad muy superior- en cuanto al carácter de cuento moral, presente durante toda la historia.

Lenny (Adam Sandler) es el cabecilla del grupo. Es un exitoso representante en Hollywood pero su familia dista de ser perfecta. Él es un buen tipo y su mujer (Salma Hayek) también, pero se han convertido en unos pijos que han malcriado a sus hijos. Los restantes miembros del grupo también tienen cada uno sus propios defectos familiares. El quid de la película es conseguir que poco a poco se vayan dando cuenta de lo que está mal en sus vidas y sus familias para poder arreglarlo.

Las buenas intenciones de la película no quedan diluidas en el tipo de humor empleado. Teniendo en cuenta lo que se lleva en Hollywood en las comedias actuales “Made in Judd Apatow”, ésta resulta más discreta. Aún así, hay bromas escatológicas y sexuales, sin que aparezca ninguna imagen subida de tono. También se utiliza mucho el humor basado en el clásico “slapstick”, que resulta muy eficaz y que tiene su culmen con la aparición del personaje de Steve Buscemi, quien provoca un torrente de carcajadas durante todo el tiempo que está en escena.

Niños grandes es ante todo una película para mayores pues el contenido moral va dirigido a ellos. Aún así, los infantes no se irán de vacío ya que en la línea de grandes títulos actuales como Toy Story 3, esta película anima a los chavales a jugar al aire libre, a usar la imaginación y a comunicarse con las personas sin usar máquinas.

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Título Original: María y yo Dirección: Félix Fernández de Castro. País: España. Año: 2010. Duración: 80 min. Género: Documental. Intervenciones: Miguel Gallardo, María Gallardo, May Suárez. Guión: Félix Fernández de Castro e Ibon Olaskoaga; basado en el cómic de Miguel Gallardo. Producción: Loris Omedes. Música: Pascal Comelade, Vetusta Morla, Kevin Johansen y Antonia Font. Fotografía: Sergi Volanova. Montaje: Ibon Olaskoaga. Distribuidora: Bausan Films. Estreno en España: 16 Julio 2010.

SINOPSIS

María vive con su madre, May, en Canarias, a 3000 km de Barcelona, donde vive Miguel Gallardo. A veces, Miguel y María se van juntos de vacaciones a pasar una semana en un resort del Sur de Gran Canaria, un escenario un tanto inhabitual que no suele acoger entre sus huéspedes a un padre solo con una hija de catorce años que padece autismo. Esta es la historia de uno de esos viajes, y sobre todo, un relato original y lleno de humor, ironía y sinceridad sobre cómo se convive con una discapacidad.

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CRÍTICAS

[J.M. Caparrós, Vicepresidente de CinemaNet]

El dibujante Miguel Gallardo y su hija María, de 12 años, son los protagonistas de una película de no ficción que ha centrado el interés del gran público: María y yo (2010), de Félix Fernández de Castro.

Miguel Gallardo es un reconocido dibujante e ilustrador barcelonés –Premi Nacional del Còmic de la Generalitat–, creador de “Makoki”, personaje de un cómic underground de los ochenta, que ha saltado al arte de las imágenes en movimiento con esta biografía de su hija, autista.

Combinando los dibujos y viñetas con el relato documental, Fernández de Castro ha puesto en escena una gran historieta autobiográfica –como si de un tebeo se tratara–, aprovechando la semana de vacaciones que pasó Gallardo con su hija, en Canarias. Esa aproximación humana al mundo del autismo y el cariño familiar resultan impresionantes, hasta incidir hondamente en el ánimo del espectador.

Como escribió el crítico Lluís Bonet Mojica –que califica a María y yo como sencilla, compleja y brillante–, “la película transmite optimismo, amor y el mensaje de que la esperanza puede ser una realidad en sí misma. Una realidad construida en estos cuadernos de Miguel Gallardo donde los dibujos se transforman en un alentador diario visual (…). Pocas veces la vida, el cine y los sentimientos se habían expresado con tan arrebatadora espontaneidad. Y con tanto sentido del humor/amor. Dos términos aquí nada antitéticos. No se pierdan –termina este gran colega de La Vanguardia– tan maravilloso diario sobre realidades hasta hoy sólo imaginadas” (16-VII-2010).

Únicamente hay que oír hablar a la madre, May Suárez, y ver el cariño y paciencia del padre, para comprender la felicidad de Marieta Gallardo dentro de ese mundo autista al que ahora podemos acercarnos gracias al género documental.

[Jerónimo José Martín, COPE ]

Este documental es el primer largometraje del realizador publicitario Félix Fernández de Castro. Se trata de la adaptación al cine de la novela gráfica homónima, realizada por el dibujante catalán Miguel Gallardo, Premio Nacional de Cómic 2008. El propio Gallardo —que reside y trabaja habitualmente en Barcelona— relata unas vacaciones, en un resort del Sur de Gran Canaria, en compañía de su hija María, de catorce años, que padece un fuerte autismo y suele vivir con su madre en la isla.

La película elude cualquier referencia a la trascendencia y pasa de puntillas sobre la separación de los padres de María y sus efectos en la chica. Pero no desdramatiza su dura discapacidad ni los esfuerzos que exige a sus familiares y amigos. Y, desde luego, acierta al subrayar sobre todo la alegría que genera ese entramado de generosidad y solidaridad, a menudo a través de detalles muy pequeños, radicalmente alejados del hedonismo materialista dominante. Todo ello, presentado con un sentido del humor, una ironía y una sinceridad que acaban cautivando al espectador. También funciona muy bien el recurso a los dibujos —a veces, animados— de la propia María y de su padre, que ilustran muy bien el esfuerzo del filme por bucear en el singular universo interior de las personas autistas, para así ayudarlas mejor. Un valioso documental, por tanto, que reafirma la excelente salud del género en España.

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