Drama basado en la novela de Francis Scott Fitzgerald que logra mantener en primer término las tragedias reales y palpables de los personajes, todos ellos muy bien interpretados reflejando con hondura y honestidad la codicia, la decadencia moral y el desarraigo, dominados en mayor o menor medida por un materialismo hedonista muy actual  y potenciando hasta el paroxismo la casi heroica opción de Gatsby por el amor auténtico.

ESTRENO RECOMENDADO POR CINEMANET Título original: The Great Gatsby (3D). Dirección: Baz Luhrmann. Países: Australia y USA. Año: 2013. Duración: 143 min. Género: Drama, romance. Interpretación: Leonardo DiCaprio (Jay Gatsby), Tobey Maguire (Nick Carraway), Carey Mulligan (Daisy Buchanan), Joel Edgerton (Tom Buchanan), Isla Fisher (Myrtle Wilson), Jason Clarke (George Wilson), Elizabeth Debicki (Jordan Baker). Guión: Baz Luhrmann y Craig Pearce; basado en la novela “El gran Gatsby”, de F. Scott Fitzgerald. Producción: Baz Luhrmann, Catherine Martin, Douglas Wick, Lucy Fisher y Catherine Knapman. Música: Craig Armstrong. Fotografía: Simon Duggan. Montaje: Jason Ballantine, Matt Villa y Jonathan Redmond. Diseño de producción: Catherine Martin. Distribuidora: Warner Bros. Pictures International España. Estreno en USA: 10 Mayo 2013. Estreno en España: 17 Mayo 2013.

SINOPSIS

Un aspirante a escritor,  Nick Carraway, deja el Medio Oeste y llega a Nueva York en la primavera de 1922, una época de relajamiento moral, deslumbrante jazz, reyes del contrabando y en la que la Bolsa sube como la espuma. Nick, que busca su propia versión del sueño americano, tiene como vecino a un misterioso millonario que da muchas fiestas, Jay Gatsby, y al otro lado de la bahía están su prima Daisy y el mujeriego marido de sangre azul de ésta, Tom Buchanan. Así es como Nick se verá inmerso en el mundo cautivador de los grandes millonarios, sus ilusiones, amores y engaños. Nick, mientras asiste a sus vidas como testigo, dentro y fuera del mundo en el que habita, escribe una historia sobre un amor imposible y sobre sueños incorruptibles, y contempla una tragedia de alto octanaje, reflejo de nuestra época moderna y sus dificultades.

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CRÍTICAS

[Jeronimo José Martín - COPE]

Nacido en 1962, el cineasta australiano Baz Luhrmann había dirigido hasta el momento cuatro largometrajes: “El amor está en el aire” (1992), “Romeo y Julieta, de William Shakespeare” (1996), “Moulin Rouge” (2001) y “Australia” (2008). Y cada uno de ellos le ha ido consolidando como uno de los cineastas actuales más originales y discutidos, sobre todo por la ampulosidad visual y musical con que afronta argumentos clásicos y universales. Ahora refuerza su fama, para bien y para mal, con “El gran Gatsby”, su personalísima versión fílmica de la famosa novela que Francis Scott Fitzgerald escribió en 1925. Una obra mayor ya llevada al cine en otras cuatro ocasiones: en 1926, por Herbert Brenon —en una película muda de la que no se conserva ninguna copia íntegra—; en 1949, por Elliott Nugent, con Alan Ladd como protagonista; en 1974, por Jack Clayton, con guión de Francis Ford Coppola y con Robert Redford y Mia Farrow al frente del reparto; y en 2001, por Robert Markowitz, en una tv movie con Toby Stephens y Mira Sorvino.

El narrador de la historia es un aspirante a escritor, Nick Carraway (Tobey Maguire), que recuerda su propia vida desde el solitario sanatorio en el que intenta desintoxicarse de su alcoholismo. Nick dejó el Medio Oeste y llegó a Nueva York en la primavera de 1922, con la gran ciudad dominada por el relajamiento moral, al auge del jazz, el contrabando y las fortunas rápidas en la Bolsa. Ansioso de disfrutar su propio sueño americano, Nick se hace amigo de su vecino, Jay Gatsby (Leonardo DiCaprio), un joven y misterioso millonario, que organiza fiestas apabullantes y descontroladas con un único afán: que en una de ellas aparezca Daisy (Carey Mulligan), la bella prima de Nick, que vive angustiada al otro lado de la bahía con Tom Buchanan (Joel Edgerton), su mujeriego marido de sangre azul. Así, Nick se ve inmerso en el mundo cautivador y peligroso de los multimillonarios, plagado de trampas, mentiras y soledades.

Como en todas sus películas, Luhrmann arriesga en la resolución visual y musical de esta trama extremadamente melodramática, y opta por un despliegue casi operístico en 3D estereoscópico, con impresionantes recreaciones digitales de Nueva York y fiestas con miles de extras, en las que su taquicárdica cámara vuela desde los apabullantes planos generales a los planos de detalle, punteada por un montaje superfragmentado e ilustrada por una banda sonora totalmente anacrónica, que intenta reflejar la revolución que en esa época supuso el jazz fusionándolo con todos los géneros actuales, incluidos el rock, el tecno y el hip-hop. Los más puristas pondrán el grito en el cielo con esta opción; pero lo cierto es que le funciona muy bien en cuanto a agilidad narrativa e intensidad dramática, sobre todo porque siempre logra mantener en primer término las tragedias reales y palpables de los personajes, todos ellos muy bien interpretados por el reparto, en el que sobresalen unos inspiradísimos Leonardo DiCaprio y Tobey Maguire. Elogio especial merece la dirección artística y el vestuario, ambos a cargo de Catherine Martin, la esposa de Baz Luhrmann.

En realidad, ese extremado barroquismo formal de Luhrmann —que a veces puede cansar o distraer demasiado— no está tan lejos del empleado por Billy Wilder en “El crepúsculo de los dioses”, por Orson Welles en “Ciudadano Kane” o por Fellini o Visconti en cualquiera de sus películas. El caso es que esté al servicio de unos personajes con conflictos auténticos, que conmuevan al espectador. Y eso lo logra Luhrmann reflejando con hondura y honestidad la codicia, la decadencia moral y el desarraigo de los patéticos personajes creados por F. Scott Fitzgerald —todos ellos, dominados en mayor o menor medida por un materialismo hedonista muy actual—, y potenciando hasta el paroxismo la casi heroica opción de Gatsby por el amor auténtico.

“Gatsby —ha señalado Luhrmann— es una persona que venía de la nada y se inventó a sí mismo. Podría haber hecho eso y haber llegado a ser tan increíblemente rico por razones equivocadas. Pero la verdad es que lo hizo por un motivo noble: lo hizo por amor. Y eso lo convierte en un héroe. O, si se quiere, en el más romántico de los antihéroes… Un antihéroe obsesionado, que no deja que nadie reescriba el guión que ha escrito sobre su vida. Y eso hace que el libro sea una gran historia de amor, un romance trágico”. Y, eso, en efecto, es la película del cineasta australiano: un doloroso romance, que refuerza su carácter trágico con una fastuosa recreación de los oropeles y fuegos de artificio que llenan las vidas de sus personajes y de tantos seres humanos actuales que, como Gatsby, viven nostálgicos de un tiempo pasado más humano y ansiosos por encontrar una luz verde, un amor verdadero, que les ilumine su penoso camino.

[Enrique Almaraz, Colaborador de CinemaNet]

La nueva adaptación de la famosa novela homónima de Francis Scott Fitzgerald – y van cuatro para el cine –, bajo la dirección de Baz Luhrmann, nace con vocación de permanencia en la memoria a la vez que como visión personal de un período fascinante desde diversos puntos de vista, los alegres años 20. Para lograrlo, nada como un reparto formado por rostros conocidos y una puesta en escena acorde con la ampulosidad  de aquel tiempo en una historia donde convergen el poder, la ambición y los celos mezclados de manera desenfrenada en una fiesta cuyo único posible final es el desgarro amargo de la tragedia. Leonardo DiCaprio despunta como la mejor opción de su generación y del panorama actual para dar vida a tan singular presencia donde la leyenda supera la realidad y la ficción, ambas. Tobey Maguire, en su condición de confidente e individuo alternativamente testigo y omnisciente, narra desde su personaje de Nick Carraway los avatares de su peculiar vecino entre largas fiestas de vacuidad bañadas en alcohol.

Parte del toque personal que se aleja de la ambientación reside en algún elemento anacrónico – la música, en determinados pasajes – o cierta ampulosidad en el artificio, como experimentos visuales y ángulos increíbles, probablemente pensando en las posibilidades de las 3D, un formato que la película no requería – comentario oído en la sala, antes de la proyección: “La profundidad, en el guión” –, pero no puede negarse el afán detallista del simbolismo por acercarse desde la firma autoral a una etapa idealizada en blancos y negros donde los grises podían también ser demoledores. Apenas unas pinceladas se esbozan o intuyen acerca del origen de tan magnánima fortuna, pero si se pasa por encima sobre las personas involucradas en los tejemanejes bajo cuerda o en la frontera – cruzada, quizá – de la ley es por la superficialidad específica, frente a la importancia aparente, que éstas ocupan realmente en el blindado corazón de Gatsby.

El desenlace se precipita después de una presentación detallada de los fastos y excesos de todo aquel gran circo que rodea al extraño millonario, imposible de resumir en menos tiempo. Hay un cambio de ritmo muy notable, pero intencionado. En cualquier caso, la película de Luhrmann supera con creces el antecedente más famoso, la plúmbea versión dirigida por Jack Clayton en 1974 con Robert Redford y Mia Farrow como protagonistas. Y esto a pesar de la fría acogida que ha recibido en Cannes.

Cabe el consuelo de observar, tras la bajada a los infiernos y el escudriño de la decadencia, que debajo del misterio en torno a tan enigmática figura rodeado de influencias oscuras, contactos y corruptelas – más que silenciadas, asumidas – se halla una historia de superación y lucha, batallas y soledad cuyo destino – por delante del origen – es el más hermoso de los sentimientos.

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La Vida es uno de los interrogantes más profundos para todo ser humano. “De qué va la vida” se introduce en los temas más importantes de la vida del hombre. ¿Cómo fue el origen del mundo? ¿Dónde surge la vida? ¿Ciencia y Fe son opuestas? ¿Existen los milagros? ¿Qué sentido tiene el dolor?  Personalidades de todo el mundo responden a estas cuestiones desde el ámbito de la física, la razón y la espiritualidad para tratar de desvelar estos interrogantes que se plantea el hombre desde el inicio de la creación. Estreno en cines el 31 de Mayo.

Cinta de acción bien llevada que sabe encontrar y mantener con facilidad al espectador que la busca. Muchas situaciones inverosímiles pero todo desarrollado sin rupturas de ritmo y encarnado convincentemente por el notable reparto, con un divertido toque irónico.

ESTRENO RECOMENDADO POR CINEMANET Título original: Olympus has fallen. Dirección: Antoine Fuqua. País: USA. Año: 2013. Duración: 119 min. Género: Acción, thriller. Intérpretes: Gerard Butler  (Mike Banning), Aaron Eckhart (presidente Benjamin Asher),  Morgan Freeman (Trumbull), Radha Mitchell (Leah), Dylan McDermott (Forbes), Angela Bassett (Lynn Jacobs), Cole Hauser (Roma), Melissa Leo (Ruth), Ashley Judd (Margaret Asher), Rick Yune (Kang). Guion: Katrin Benedikt y Creighton Rothenberger. Producción: Antoine Fuqua, Gerard Butler, Ed Cathell III, Mark Gill, Alan Siegel y Danny Lerner. Música: Trevor Morris. Fotografía: Conrad W. Hall. Montaje: John Refoua. Diseño de producción: Derek R. Hill. Vestuario: Doug Hall. Distribuidora: eOne Films Spain. Estreno en USA: 22 Marzo 2013. Estreno en España: 10 Mayo 2013.

SINOPSIS

Mike Banning es un agente del Servicio Secreto estadounidense que, tras un accidente de coche en el que únicamente puede salvar la vida del presidente Asher, decide dejarlo para trabajar en el Departamento del Tesoro. Pero cuando un comando coreano liderado por Kang ataca La Casa Blanca tomando como rehenes al Presidente y su equipo, Banning se verá obligado a entrar de nuevo en acción.

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CRÍTICAS

[Jeronimo José Martín - COPE]

Mike Banning (Gerard Butler) es un leal agente secreto de Estados Unidos, cuya carrera se trunca después de un desafortunado accidente de coche, en el que sólo puede salvar la vida del presidente Benjamin Asher (Aaron Eckhart). De modo que Mike deja su puesto de escolta presidencial para trabajar en el Departamento del Tesoro. Hasta que un día un comando norcoreano, liderado por Kang (Rick Yune), ataca la Casa Blanca y toma como rehenes al presidente y a su equipo. Entonces, Banning se ve obligado a entrar de nuevo en acción. Mientras tanto, el presidente del Congreso, Trumbull (Morgan Freeman), intenta apoyar al agente desde fuera sin despertar las sospechas de los norcoreanos.

En esta trepidante película de palomitas, Antoine Fuqua (Training Day, Shooter: El tirador) da exclusivamente lo que se espera de él. Es decir, secuencias de acción a raudales —más aparatosas que espectaculares—, mucha violencia —a veces, demasiada— y una mínima trama de intriga para articular en ella los básicos conflictos dramáticos y morales de los personajes. Nada de originalidad por ningún lado, y demasiadas situaciones inverosímiles; pero todo desarrollado sin rupturas de ritmo y encarnado convincentemente por el notable reparto, al frente del cual destaca el escocés Gerard Butler, con un divertido toque irónico a lo Bruce Willis.

[Juan Xipell, TAConline]

Mantener a raya a los grandes peligros para su nación ha sido siempre una de las especialidades del cine estadounidense. Desde que Hollywood es Hollywood, todo aquel que se ha atrevido a poner en jaque la estabilidad del gran poder de Occidente ha sucumbido en el celuloide frente al vigor de los héroes y valores americanos. Ahora, en pleno 2013, con los enfrentamientos con los soviéticos ya lejanos y con Jack Bauer y compañía mitigando los miedos post 11-S, una nueva amenaza se cierne sobre la Casa Blanca.

Vistas las dinámicas de Olympus has fallen, pocas novedades pueden aportar los grupos armados norcoreanos del film (parece que el nuevo enemigo de USA tanto fuera como dentro de la gran pantalla), a lo que en su día llevaron a cabo rusos, chinos, islamistas radicales e, incluso, extraterrestres. Antoine Fuqua, especialista en cintas de acción y responsable de este enésimo ejercicio de patriotismo cinematográfico (en un escenario que invita a ello más que nunca), parece saberlo al abandonar cualquier intención de imprimir cierta personalidad a su obra, y vivir del convencionalismo en este thriller que remite, inevitablemente, a los años de Jungla de cristal, La Roca o Air Force One, tanto en su estilo como en su temática.

Sin dejar de ser una más dentro de su género ni llegar, siquiera, al nivel de efectividad de los precedentes citados, Objetivo: la Casa Blanca es una cinta de acción bien llevada que sabe encontrar y mantener con facilidad al espectador que la busca.

Mucho ritmo, muchos tiros, muchas explosiones, un duelo de tipos duros y un alto grado de inverosimilitud son los ingredientes que el responsable de Training day o Shooter pone, sin sorpresas, al servicio de un entretenimiento muy básico, en el que lo de menos es tomarse seriamente su contexto político o su sobredosis, muy al estilo Roland Emmerich, de fervor americano (con un Gerard Butler deshaciéndose de un terrorista con el busto de Lincoln o una Melissa Leo negándose, como Secretaria de Defensa, a dar información a los asaltantes mientras jura fidelidad a la bandera, incluidos).

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Película que resulta fallida y a ratos irritante sobre todo por su enfoque de la Guerra Civil, mucho más convencional y parcial de lo que sus autores han asegurado por activa y por pasiva. En realidad, la película ofrece más de lo mismo: una grosera insistencia en las obsesiones sexuales de los soldados, una apolillada invocación a la lucha de clases como causa principal de la Guerra Civil y una romántica y complaciente visión del bando republicano.

ESTRENO Título Original: La mula. Dirección: Anónimo. Países: España y Reino Unido. Año: 2012. Género: Comedia dramática. Intérpretes: Mario Casas (Juan Castro), María Valverde (Conchi), Secun de la Rosa (el Chato), Chiqui Maya (Antonio), Mingo Ruano (Amor), Ignacio Mateos (Jesús), Tavi García (Cárdenas), Eduardo Velasco (sargento Barrionuevo), Pepa Rus (Pepi), Jesús Carroza (Churri), Luis Callejo (Troitiño). Guion: Juan Eslava Galán; basado en su novela homónima. Producción: Alejandra Frade y Bruce St. Clair. Música: Óscar Navarro. Fotografía: Ashley Rowe y Ángel Luis Fernández. Montaje: Teresa Font. Diseño de producción: Sophie Becher. Vestuario: Nereida Bonmatí. Distribuidora: Wanda Visión. Estreno en España: 10 Mayo 2013.

SINOPSIS

Al cabo Juan Castro le importa más la suerte de su mula que ganar la guerra. Por eso sale a buscarla y, tras atravesar la línea del frente, se ve implicado en un episodio tan peligroso como hilarante que, muy contra su voluntad, lo va a convertir en héroe de guerra. A través de la figura de Juan Castro, más preocupado por sus avances en el terreno amoroso que por la progresión del enemigo, se nos ofrece una visión insólita de la guerra civil: antiheróica, pícara y tierna a la vez.

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CRÍTICAS

[Jeronimo José Martín - COPE]

Sierra de Córdoba, 1939, durante la recta final de la Guerra Civil española. Juan Castro (Mario Casas) es un sencillo cabo acemilero del ejército nacional, que intenta no hacer daño a nadie. Un día se encuentra una mula blanca extraviada, a la que llama Valentina, y a la que cuida con la intención de quedársela cuando termine el conflicto. En ésas, Juan se enamora de Conchi (María Valverde), una chica guapa y decente, que regenta un hotel en un pueblo cercano al frente. Y, para conquistarla, se hace pasar por un hacendado, con la ayuda de El Chato (Secun de la Rosa), un amigo suyo de la infancia, al que presenta como su criado. La mula y Conchi distraen un poco a Juan y a El Chato de los últimos y crueles coletazos de la lucha fratricida que desangra a España.

Rodada hace cuatro años, esta accidentada adaptación de la novela homónima del jienense Juan Eslava Galán —basada libremente en la historia real de su propio padre— podría haber sido una buena película, pues cuenta con un tono esperpéntico cercano al de La vaquilla, de Luis García Berlanga. En este sentido, La mula goza de un buen ritmo narrativo y de unas cuantas secuencias divertidas, que subrayan la entrañable humanidad de los personajes principales. En este punto brilla con luz propia la excelente interpretación —con trabajado acento andaluz— de Mario Casas, justamente premiada en el Festival de Málaga 2013 con la Biznaga de Plata al mejor actor. El resto de los intérpretes principales no lo hacen mal, aunque unos cuantos de los secundarios e incidentales caen en el histrionismo o en un amaneramiento desagradable.

En cualquier caso, La mula resulta fallida y a ratos irritante sobre todo por su enfoque de la Guerra Civil, mucho más convencional y parcial de lo que sus autores han asegurado por activa y por pasiva. Por ejemplo, a la brutal persecución religiosa en la zona republicana sólo se le dedica una fugaz referencia radiofónica, al tiempo que se ofrece una grotesca visión de los católicos del bando nacional, sobre todo en una ofensiva secuencia caricaturesca, protagonizada por un obispo.

En realidad, la película ofrece más de lo mismo: una grosera insistencia en las obsesiones sexuales de los soldados, una apolillada invocación a la lucha de clases como causa principal de la Guerra Civil y una romántica y complaciente visión del bando republicano, eso sí, algo suavizada al presentar con cierta humanidad a algunos personajes del bando nacional. Esa humanización, por cierto, dificultó la calificación por edades de la película durante la etapa más beligerante del zapaterismo, quizás porque atentaba contra los dogmas esenciales de la llamada memoria histórica. El caso es que, en septiembre de 2011, los productores de la película se querellaron contra Mercedes Elvira del Palacio Tascón, por entonces Subsecretaria del Ministerio de Cultura. Otra pista falsa que hizo pensar a muchos que este filme ofrecería por fin una mirada diferente.

A este gravísimo defecto de fondo se añaden las secuelas formales que ha dejado en la película el total desencuentro con la productora española Gheko Films del cineasta británico Michael Radford (1984, El cartero (y Pablo Neruda), El mercader de Venecia, Un plan brillante), coautor del guión y responsable de las inmensa mayoría del rodaje, pero que no ha participado en el montaje final de la película y ha retirado su nombre de los títulos de crédito. Tampoco aparece en ellos su sustituto en la recta final, el realizador publicitario francés Sebastien Grousset, fichado in extremis por la productora Alejandra Frade. Ciertamente, la participación de Radford no habría arreglado la deformada perspectiva de la película —ya presente en la novela de Eslava Galán—; pero, al menos, habría mejorado su puesta en escena, su continuidad y su montaje, dominados tal y como están por una llamativa falta de personalidad. En fin, otra ocasión perdida de afrontar la Guerra Civil española con rigor, ponderación y afán de reconciliación.

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[Daniel Arasa. Cinemanet]

Se cumplen ahora diez años. Cinemanet y el Grup d’Entitats Catalanes (GEC) de la Família dimos la Ola de Oro de los VIII Premios Cinematográficos “Familia” a Alfredo Landa por su trayectoria profesional. El jurado vio en él y en su obra valores humanos, familiares, cívicos, educativos.

Ahora, cuando hace pocos días fallecía Alfredo Landa ha sido unánime el reconocimiento de su calidad de gran actor. Incluso se ha remarcado que son muy pocos los actores o directores de cine que lleguen a dar nombre a un estilo cinematográfico, el landismo, aunque sea justo precisar también que tantas películas llenas de chicas en bikini y machos pueblerinos ansiosos de voyerismo y sexo era algo muy superficial. Cierto que con su humor, su gran vena cómica, desdramatizaba lo que allí se presentaba. Evidenciaba cuán ridículo fue aquello y, a la vez, era una manifestación de que la España de los años 70 había abierto las ventanas tras años de mantenerlas cerradas a cal y canto. De alguna forma Landa quiso años más tarde justificar y a la vez pedir excusas diciendo que el landismo era solo “semidestape” y que siempre intentó “no ser sucio”.

Al margen de la valoración que pueda hacerse de tal faceta y tales trabajos, Alfredo Landa era más que esto. No sólo en su trabajo de actor, verdaderamente espléndido en tantas películas, desde “Atraco a las tres”, “El puente”, “Los Santos Inocentes”, “La Vaquilla”, “Don Quijote”, y la serie del director José Luis Garci, con “Las verdes praderas”, “El Crack” y “El Crack II” y “Luz de domingo”, sino también en su base personal.

No tuve ocasión de entablar amistad con él, pero sí pude tratarle un poco, en especial a raíz de la concesión del premio. Ante todo considero fundamental decir que a su lado estuvo toda la vida, más de 50 años, una persona excepcional, su esposa Maite Imaz. Ella, desde la sombra, dirigió, impulsó, fue el sustrato fundamental para muchas cosas, moderaba su genio. Sin Maite no hubiera sido el mismo. Alfredo Landa amaba la familia, a sus tres hijos, fue fiel a su esposa. Y, además, estas cosas las exponía encantado, con su desenfado. En una entrevista dijo que “siempre he sido fiel a mi mujer. Ni se me ha pasado otra cosa por la imaginación”. Presumía de tal fidelidad, sin la menor concesión al qué dirán, en un mundo en el que precisamente parece habitual lo contrario.

Otro gran activo fue su independencia de espíritu ante muchos aspectos de la vida. Cualesquiera que fueran sus criterios, supo mantenerse al margen de la ideología para realizar su trabajo y llevar adelante su vida profesional. Chocó, o, mejor, superó por elevación otro de los “baches” frecuentes entre los cineastas de este país, no pocos de ellos más enganchados a la pancarta que al esfuerzo por el buen cine. Ya fuera en la etapa de Franco, o durante los mandatos democráticos de Adolfo Suárez, Felipe González, José María Aznar o José Luis Rodríguez Zapatero, Alfredo Landa permaneció al margen de todos. Ni fue un turiferario del poder ni tampoco un selectivo detractor de unos u otros según su base ideológica.

La autenticidad le salía por los poros. Alabó en diversas ocasiones películas que le parecían sinceras, que buscaban la verdad de la vida.

También se declaraba católico sin ambages ni recovecos, aunque afirmaba que funcionaba un tanto a su aire: “Voy a misa cuando me da la gana. Y a lo mejor paso tres o cuatro años sin confesarme y, de repente, un día se me ocurre y lo hago”.

Decía las cosas tal como le salían. Con nosotros, a raíz del premio, se enfadó con razón porque la persona que debía recogerles a él y a su esposa en el aeropuerto se retrasó sin ningún motivo. En el libro “Alfredo el grande. Vida de un cómico”, en el que narra sus criterios y experiencias a Marcos Ordóñez, se muestra como un deslenguado, sin ahorrar críticas a otros como José Luis Dibildos y Paco Rabal.

Era, ciertamente, un deslenguado. Para todo.

A FONDO

[Sergi Grau. Colaborador de Cinemanet]

EL SIGLO XX A TRAVÉS DEL CINE
19. DAVID FINCHER

Película: La Red Social
Temática: La Era de la Información

Que la realización de cualquier película, máxime con la difusión que permite la industria cinematográfica hollywoodiense, supone una gran oportunidad e implica una gran responsabilidad, se asuma o no por parte de sus artífices, es algo que, por un lado, está fuera de toda duda, y, por otro, no es una cuestión en la que deba entretenerme aquí. Empero, hay determinadas obras, o categorías de ellas, que por su focalización en asuntos contemporáneos concretos, política o socialmente candentes –por poner ejemplos recientes, los testimonios cinematográficos del 11-S, el racimo de títulos que abordaron la guerra de Irak librada durante la Administración Bush hijo, o aquéllos que versan sobre la crisis financiera–, materializan sus razones ideológicas (eso que damos en llamar el discurso) de forma directa e inequívoca, y por tanto no buscan ni precisan de elucidaciones por la vía simbólica o alegórica, pues su cauce natural le devuelve a su causa, la actualidad informativa. Es, por supuesto, también el caso de un proyecto como el de esta La Red Social, la película estrenada en 2010 y que pretendió familiarizarnos con la génesis del fenómeno del facebook, y las personas y razones coyunturales en ella implicadas. A estas alturas casi parece innecesario situar el tema, porque todo aquél que disponga de conexión a Internet conoce, o incluso forma parte de (la cifra de 500 millones, los miembros del facebook, me invita a expresarme así) la red social más célebre del mundo, aunque quizá sólo los más avezados sepan quién es Mark Zuckerberg (en el filme encarnado por Jesse Eisenberg), o a qué temprana edad urdió semejante invento, para pasar a convertirse de la noche a la mañana en el milmillonario (en inglés “billionaire”) más joven del planeta.

El director de la película, David Fincher, es, mucho más que un estilista de lujo (consideración a la que algunos aún le relegan), uno de los nombres más interesantes emergidos de la industria norteamericana en los últimos tiempos; revelado como astuto y convincente narrador con Seven (1995), probablemente el thriller más referencial del cine contemporáneo, Fincher alcanzó su cénit creativo con dos obras consecutivas,  las geniales Zodiac (2007) y El curioso caso de Benjamin Button (2008). Tras ésta última se embarcó en el filme que nos ocupa, cuya co-responsabilidad debe atribuirse a un auténtico peso pesado de la escritura de guiones, Aaron Sorkin, quien fuera creador y guionista de buena parte de la serie El Ala Oeste de la Casa Blanca y de Studio 60, y figura que nos encaja perfectamente en los citados parámetros de utilización del cine como foro de opinión sobre asuntos de actualidad, buscando en esta ocasión el comentario sociológico donde antes imprimió ideas y opiniones sobre el funcionamiento de la política o el showbiz. Sorkin parte de un material preexistente, The Accidental Billionaires (The Founding of Facebook), publicado por Ben Mezrich en 2009, y condensa el relato utilizando para su beneficio algunos de los lugares comunes del docudrama o del biopic, al tiempo que reformula con habilidad un territorio escénico y temático tan transitado en el cine como son los campus universitarios (en este caso, de alta enjundia), todo ello para erigir, de forma inteligente y atractiva para el espectador, una crónica nada distante ni fría ni intelectualizante, pues sus datos objetivos están siempre tamizados por la ficción que incumbe al retrato de personajes, de modo que no cabe desligar cualquier paráfrasis o comentario radiográfico del meollo dramático que atesora la película.

La Red Social se estructura muy hábilmente a modo de court-room movie o cine de juicios  (aunque en este caso, en su especialidad procesal menos cinematográfica, la civil, en la que los litigantes se sientan a una mesa a responder a las preguntas de los letrados de la parte adversa). El prólogo, el epílogo, y alguna corta secuencia aislada que discurre en el ínterin entre las sesiones de la vista son los únicos instantes que, cabría decir, se cuelan en la esfera privada del personaje protagonista. El resto y grueso de los acontecimientos, lo que es un dato muy trascendente, se van desgranando a modo de continuos flashbacks que parten de las declaraciones que se van sucediendo en esa vista judicial preliminar de los dos pleitos que se siguen contra Zuckerberg (el primero, instado por los hermanos Winklevoss (Armie Hammer) y un amigo de aquéllos, Divya Narendra (Max Minghella), por usurpación de la propiedad intelectual; el segundo, seguido por Eduardo Saverin (Andrew Garfield), el cofundador de la empresa, por fraude societario). Así planteada, la película no hace, aparentemente, otra cosa que sacar a la luz pública lo que ya lo está (en los legajos de los archivos judiciales), esas controvertidas perspectivas sobre los inicios del Facebook. Amén de revelar, de entrada, las consecuencias (los inflamados conflictos entre personajes) y de paso ensombrecer los términos de la trama, esa estructura sirve para dar credibilidad y efectividad al relato, al ir desglosando los acontecimientos de un modo comprensible sin diluir su cierta densidad, haciendo a menudo diáfano lo complejo.

Pero edificar un relato en tales términos y llevarlo a buen puerto en imágenes por supuesto que no depende sólo de un buen guionista. Y aquí llega el momento de hablar de Fincher, que trabaja con una película mucho más de montaje que de puesta en escena y se aplica de forma sobresaliente a edificar por esa vía el pulso rítmico, magnífico, de la película, consciente –como lo eran los directores clásicos– de que ciertos alardes escenográficos pueden menoscabar la fluidez y el potencial dramático del material de Sorkin. La cámara de Fincher, empero, como también sucedía en Zodiac, se muestra ávida por empaparse de lo ambiental, los escenarios, los vestuarios, las caracterizaciones físicas, los objetos…En su afán descriptivo, retrata con tanto vigor la vida en un campus universitario de élite, como la atmósfera cargada de los despachos en los que se enfrentan los abogados civilistas, o como el frágil equilibrio de la mesura en el frenesí corporativo en Silicon Valley. Fincher se reserva alguna set-piéce virtuosa, pero la inercia del storytelling rehuye por lo general los aspavientos escénicos en pos de la economía narrativa, siempre focalizando lo dramático con suma presteza. De tal modo, el director acaba siendo el principal responsable de que ese algo siniestro, fatídico y triste, que al final se apoderará del relato, vaya haciendo acta de presencia conforme avanzan los acontecimientos, prefigurando lento pero seguro ese final. Y ahí detectamos su impronta de estilo, pues el autor de Benjamin Button tiene inclinación por subrayar la dimensión turbia, a veces trágica, de cada relato. Valor sin duda primordial a la hora de graduar el tono de una película como ésta, que en otras manos corría el peligro de haber desnudado sus términos a lo formulario y caer en la neutralidad.

El retrato que esta La Red Social nos propone de Mark Zuckerberg revela, en lo dramático, algo ciertamente crudo: que la capacidad del personajes por incidir de forma cabal en la economía y en la historia es inversamente proporcional a la gestión de su vida privada, pues es un tipo incapaz de comprender sus propios sentimientos, y mucho menos de actuar conforme a éstos, lo que le condena a una rotunda soledad. Diríase que Mark Zuckerberg abrazó un formidable destino que, sin embargo, estaba muy alejado de sus necesidades personales. Y hablar del destino sirve para identificar al personaje con uno de los grandes temas clásicos shakespearianos, al que el propio Sorkin se refiere en diversas entrevistas cuando tilda al personaje de “a tragic hero”. Y a este héroe trágico, muy llamativamente, le falta una mujer. Le falta desde el mismo inicio de la función, pues en la secuencia prólogo su novia Erica (Rooney Mara) le abandona. Le falta hasta el cierre, pues en la última secuencia utiliza como cauce la red social que él mismo creó para intentar posibilitar una reconciliación con aquella novia perdida antes de que todo cambiara (y reconciliación que no sabremos si se produce o no, pues no tendremos la certeza de que la chica apenas le responda su solicitud de amistad). Incluso en una secuencia de la parte central del filme, aquélla en la que él y su amigo Eduardo tienen una aventura sexual con unas chicas en los retretes de una discoteca, es relevante comprobar que la cámara se concentra en todo momento en el amigo y deja en off visual el episodio sexual del protagonista; del mismo modo, la chica que mantiene sexo con Eduardo se convertirá en su novia, mientras que a la otra chica, la pareja de Mark, la cámara apenas le presta atención y, en lo narrativo, pronto desaparece del relato sin explicación alguna. Éstos y algunos otros subrayados (los conatos de envidia que Eduardo lee en Mark cada vez que le refiere que está avanzando en las pruebas para ser admitido en una fraternidad universitaria) son claves para entender lo que de categórica tiene la soledad de Zuckerberg, aquél que, casi él solo, construyó el mayor imperio de relaciones sociales por Internet, mientras se quedaba solo en esa cima por la que, en realidad, nunca llegó a pirrarse (de hecho, es por intervención del, por otra parte inquino personaje de Sean Parker (Justin Timberlake), que la empresa da un profundo salto expansivo, o al menos que lo haga tan deprisa). El retrato del personaje es desolado, y, a poco de pensarlo, no menos deprimente resulta ese retrato como representación de la naturaleza sintética, falsa, de este cauce de las relaciones sociales que condiciona los sentimientos, pensamientos y agendas de millones de personas conectadas a la red. De eso hablábamos al principio. De Sorkin, y también de Fincher, y su discurso. Que parte de la posibilidad de que la neurosis y la frustración de un adolescente puedan ser la simiente del facebook. Que contiene ésta y diversas otras ironías negrísimas en su interpretación de las relaciones humanas en la era de la cibernética y la globalización.

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Uno de los Clipmetrajes ganadores por Comunidades Autónomas, en este caso de Cataluña. El Concurso lo organiza Manos Unidas y tiene ámbito autonómico y nacional. El próximo 11 de Mayo se entregarán los Premios del Nivel Nacional.

Ganemos la Partida a la Pobreza por MansUnides

La ONGD Manos Unidas convoca por cuarta vez su acto de entrega de premios a los mejores clipmetrajes (cortos de un minuto). En esta edición, 103 jóvenes realizadores y 155 colegios e institutos han presentado un total de 624 clipmetrajes, es decir, 624 minutos cargados de denuncia social, solidaridad y esperanza. El Acto de Entrega de Premios tendrá lugar el sábado 11 de mayo en Madrid.

 Además de visionar los mejores clipmetrajes según el jurado, compuesto por consolidados directores de cine social, como Imanol Uribe, Chus Gutiérrez, Santiago Zannou o Fernando González Molina, además de representantes de África y América Latina y expertas en cooperación internacional como Pilar Debén de la AECID y Mercedes Ruiz-Giménez, Presidenta de la Coordinadora de ONG para el Desarrollo de España, veremos también los clipmetrajes que, por su viralidad, han merecido los premios del público.

Grupos de estudiantes y profes vendrán representando a su comunidad autónoma con los clipmetrajes que han hecho en clase. Las Finales por Comunidades Autónomas ya han tenido lugar, con sus respectivos Actos de Entregas de Premios.

En el acto se estrenará el corto documental “Viaje al Senegal” de Imanol Uribe y Oriol Corbella, vencedor del concurso el año pasado, grabado durante su visita a los proyectos de desarrollo que Manos Unidas lleva a cabo en este país africano.

El sábado 11 de mayo conoceremos quién recibe el premio por haber presentado el mejor clipmetraje a juicio del jurado, que en esta ocasión será un viaje a Ecuador junto con la cineasta Chus Gutiérrez para conocer el trabajo que allí realiza Manos Unidas.

Toda la Información sobre el Acto en: Clipmetrajes Manos Unidas

Todas las finales Autonómicas: En el Blog de Clipmetrajes: Tu punto de vista puede cambiar el mundo

Impactante y perturbador retrato de injusticias, que inquieta y conmueve. Ofrece un amargo realismo, pero también luz, gracias a un conmovedor y potente mensaje de esperanza, de redención y de amor. Además ayuda a tomar conciencia de que los intereses económicos de nuestro primer mundo consumista tiene dramáticas repercusiones en otros ámbitos menos favorecidos y no tan alejados de nosotros.

ESTRENO RECOMENDADO POR CINEMANET Título original: Rebelle. Dirección y guion: Kim Nguyen. País: Canadá. Año: 2012. Duración: 90 min. Género: Drama. Intérpretes: Rachel Mwanza (Komona), Alain Bastien (comandante rebelde), Serge Kanyinda (mago), Ralph Prosper (el carnicero), Mizinga Mwinga (Gran Tigre), Jean Kabuya (instructor del campamento rebelde), Jupiter Bokondji (hechicero), Starlette Mathata (madre de Komona), Alex Herabo (padre de Komona). Producción: Pierre Even y Marie-Claude Poulin. Fotografía: Nicolas Bolduc. Montaje: Richard Comeau. Diseño de producción: Emmanuel Fréchette. Vestuario: Éric Poirier. Distribuidora: Good Films. Estreno en Canadá: 16 Abril 2012. Estreno en España: 10 Mayo 2013.

SINOPSIS

En algún lugar de África subsahariana, en una pequeña y remota aldea, Komona, una niña de 12 años, vive pacíficamente con sus padres, hasta el día en que es secuestrada por el ejército rebelde y se ve obligada a combatir como niña soldado. Por su capacidad para salvarse, le nombran “bruja de la guerra”. Su única salida y amigo será Mago, un chico albino de 15 años que desea casarse con ella.

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CRÍTICAS

[Mª Ángeles Almacellas - CinemaNet]

Una nación no identificada del África subsahariana. Komona, una niña de apenas 14 años le habla en off al hijo que vendrá y le narra la historia de su vida. Todo empezó dos años atrás…Unos rebeldes entran a sangre y fuego en la aldea de Komona, se apoderan de ella y la obligan a matar a sus propios padres, cuyos fantasmas la acompañaran en adelante como una desazonante obsesión, hasta que consiga regresar para enterrar sus restos.

Empieza entonces una trágica pesadilla para la pequeña, obligada a convertirse en niña-soldado, con un kalachnikov en las manos. El tiempo transcurre y los rebeldes la consideran una “bruja de la guerra” (de ahí su título en inglés “war witch”). Se le atribuyen visiones muy eficaces para sus acciones de guerrillas, y tiene un trato algo especial. En medio de su drama, sólo encuentra apoyo y ayuda en el “Mago”, un muchacho albino de 15 años, que quiere casarse con ella y del que también Komona se acabará enamorando. Ambos deciden intentar liberarse de la guerra y empezar una nueva vida. Pero el destino aciago no los dejará tan fácilmente.

Los intérpretes principales no son profesionales y han debutado en la pantalla con Rebelde, pero, especialmente Rachel Mwanza encarnando a Komona, llevan a cabo un trabajo impecable. Kim Kguyen quiso rodar cronológicamente y los actores desconocían por completo qué iba a suceder en la historia. La película desprende así una fuerza dramática tremenda y perturbadora, produce la sensación de unas vidas arrastradas irremisiblemente por una fuerza perversa incontrolable.

Rebelde constituye un impactante y perturbador retrato de injusticias, que, a menudo, casi roza el documental. Pero Kim Nguyen lo realiza con tal habilidad que el resultado no es propiamente un alegato de denuncia. Presenta lo que sucede, envuelto en un relato de ficción, el drama concreto de una niña, con imágenes oníricas de gran fuerza dramática, alguna leyenda popular, como la búsqueda del gallo blanco para casarse, y hasta queda lugar para momentos de luz, con la enternecedora historia de amor de los adolescentes. Sólo como un factor más de la narración, insinúa alguno de los posibles motivos de esas crueles guerras en el continente africano. Por ejemplo, el interés por el coltán, mineral imprescindible para la industria de aparatos eléctricos, las centrales atómicas y los teléfonos móviles. La República Democrática del Congo posee el 80% del coltán del mundo. Las guerrillas locales y ciertas empresas multinacionales se disputan su explotación.

Rebelde fue íntegramente rodada en el Congo y se presentó mundialmente en la Berlinale 2012, donde ganó el Oso de Plata a la mejor Actriz (Rachel Mwanza) y una mención especial del Jurado Ecuménico. Ha recibido muchos otros premios y fue nominada a los Oscar 2013 como mejor película de habla no inglesa.

Es un film que inquieta y conmueve, pero ayuda a tomar consciencia de que los intereses económicos de nuestro primer mundo consumista tiene dramáticas repercusiones en otros ámbitos menos favorecidos y no tan alejados de nosotros.

[Marta Gª Outón - Colaboradora de CinemaNet]

Es una historia contada en primera persona por una niña de 12 años, Komona, que es secuestrada y reclutada para las fuerzas rebeldes del Congo como niña soldado. Por la suerte que tiene de salvarse en emboscadas y favorecer en la victoria, la niña enseguida es reconocida bajo el pseudónimo de “bruja de la guerra”, hasta el punto de que se convierte en alguien especial dentro del grupo armado. Su drama se ilumina en cuanto otro niño soldado, albino, al que llaman Mago, se enamora de ella y busca la oportunidad de salvar sus vidas y escapar de esa realidad tan inhumana. 

Es una película que ha estado nominada al Oscar a Mejor Película de habla no inglesa este año. Ya que no declara en ningún momento el lugar o el año en el que sucede la historia, la película es presentada como un drama universal y por tanto, una crítica a la situación actual en muchos países africanos. Está narrada en primera persona, con la voz en off de la niña, quien cuenta al hijo que espera su historia y el cómo y por qué él llegará a la vida. Al principio nos resulta una exposición crítica de la situación de los niños soldados, pero poco a poco se va convirtiendo también en un ejemplo de supervivencia y de redención.

El director es el canadiense Kim Nguyen, quien ofrece un amargo realismo al film, pero también luz, gracias a un conmovedor y potente mensaje de esperanza, de redención y de amor. Ya con su primera película, Le Marais, obtuvo seis nominaciones, entre las cuales se encontraba la de Mejor Película y Mejor director. Sus obras destacan por el valor humano de los personajes, así como el dramatismo que se subraya entorno a ellos, tal y como vemos en esta última.  

La joven Rachel Rwanza, con su complicado papel protagonista, ganó el premio a Mejor Actriz en el Festival de Berlín y el Tribeca Film Festival; la muchacha ofrece una gran fuerza dramática a su personaje, admirable, y su coraje y esperanza incansables animan al espectador a acompañarla hasta el final de la película. El actor que interpreta a Mago, Serge Kanyinda, es especial en la escena por su personaje, tan diferente a los demás del reparto por su apariencia y por su valor, su fuerza de voluntad y de sacrificio personal por defender el amor hacia la joven Komona; sin él, la película carecería de esperanza, de luz, de amor y de bondad. Mago y Komona son las grandes lecciones de humanidad, de redención; sencillos pero intensos en sus interpretaciones, conmueven en sus silencios y en sus significativos gestos de cariño y gratitud.

El director quiso innovar con esta película y por ello cuenta con elementos que nos trasladan de la realidad a la ficción mediante escenas oníricas y abstractas, sacadas de la psicología de la protagonista. Por otro lado, el director asegura que ninguno de los actores conocía la historia, ni lo que les iba a suceder a sus personajes en las siguientes escenas, por lo que rodó la película en secuencia, permitiendo a los intérpretes explorar sus papeles, así como la intensidad del drama. La música también cobra importancia, al igual que la fotografía, porque aparecen como elementos integrados e influidos por la psicología de la protagonista y por el drama que la rodea, llegando a convertirse la monotonía de los grillos o el rechinar de una puerta oxidada en la tensión sufrida por la niña.

La dureza de lo que se expone en la cinta abruma al espectador, pero el sentido de fábula que tiene la carta de amor de una madre dirigida hacia su futuro bebé, así como el elemento esperanzador, constantemente presente acompañando a la joven Komona, realzan esta bella película protagonizada por una gran humanidad resistiendo en las penurias y crueldades del mundo.

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Monólogo introspectivo, que se nutre de los recuerdos personales, los juicios sobre la historia y sus protagonistas, y las ideas sobre el ser humano y la política de un monstruo lleno de cinismo y soberbia, incluso ante la inminencia de su fusilamiento. La película avanza desde el punto de vista del espectador, que va descubriendo la terrible progresión de realidades que ofrece la experiencia de la historia de Mussolini

ESTRENO RECOMENDADO POR CINEMANET Título Original: Mussolini va a morir País: España Género: Drama Año: 2012 Duración: 82 minutos Guión y Dirección: Rafael Gordon Intérpretes: Miguel Torres (Benito Mussolini), Julia Quintana (Claretta Petacci) Director de Fotografía: Gaizca Bourgeaud Música: Jorge Magaz Director artístico: Cayetano Cabanyes Sonido: Carlos Bonmatí Montaje de sonido: José Luis Vázquez Distribuye en cines: Pirámide Films Distribución, SL Estreno en España:10 Mayo 2012

SINOPSIS

El dictador Benito Mussolini y su amante Claretta Petacci, esperan su ejecución inmediata. Mussolini, destronado, reflexiona sobre el derrumbe de su contradictoria vida. Ninguna de sus certezas permanece, sólo sabe a ciencia cierta que en unas horas va a morir.

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CRÍTICAS

[Mª Ángeles Almacellas - CinemaNet]

Noche del 27 al 28 de abril de 1945. El dictador Benito Mussolini y su amante, Claretta Petacci, recluidos en una lúgubre estancia, en Dongo, ciudad del norte de Italia, esperan su próxima ejecución. En las pocas horas que le quedan de vida, Mussolini (Miguel Torres) habla de sí mismo, Benito Amilcare Andrea Mussolini, Il Duce. Es un monólogo introspectivo, que se nutre de los recuerdos personales, los juicios sobre la historia y sus protagonistas, y las ideas sobre el ser humano y la política de un monstruo lleno de cinismo y soberbia, incluso ante la inminencia de su fusilamiento. Claretta Petacci (Julia Quintana) presta su presencia silenciosa de mujer enamorada dispuesta a morir con su hombre. Las pocas palabras que pronuncia en esa noche, antesala de la muerte, son sólo el eco del discurso de Mussolini.

En la película, vamos descubriendo a un ser deleznable, incapaz de sentir ni el más mínimo asomo de remordimiento recordando las atrocidades cometidas. Tan sólo en algunos momentos muy puntuales, a la largo de esa noche de confesiones, percibimos en él un atisbo de humanidad, cuando recuerda sufrimientos de sus hijos.

En su cuasi monólogo, van surgiendo fluidamente diversos temas entrelazados, prácticamente sin solución de continuidad. Se diría que no se trata más que de un simple desahogo, una mirada perdida hacia atrás cuando el tiempo se acaba y el futuro ya no existe, reflexiones y recuerdos deslavazados ante la proximidad de la muerte. Habla de su infancia, de sí mismo, de su forma de ser y de pensar, de su protagonismo en la historia. Parece que, en los pocos metros cuadrados del deteriorado aposento, no sucede nada. Sin embargo la película avanza desde el punto de vista del espectador, que va descubriendo la terrible progresión de realidades que ofrece la experiencia de la historia de Mussolini.

La persona de Benito Mussolini, ávida de poder a cualquier precio, se convierte en un personaje: el dictador (es decir, el que “dicta” lo que quiere que piensen y hagan los demás). No son dos realidades distintas. No es la persona versus el personaje. Ambos, persona y personaje, son una misma realidad, Mussolini fue la oruga que se transformó en el Duce.

Todo dictador sabe cómo quiere saciar sus ansias de poder y, para ello, construye su propia estructura de autocracia. No le importan los hombres ni su bienestar, incluso desprecia a “la masa”, sólo quiere dominar. El sistema que crea el dictador está al servicio de su avidez de poder omnímodo. Para ello, manipula, miente, destruye y mata.

El cínico discurso de Mussolini encierra una grave advertencia para el hombre de hoy, si bien el personaje de la película no tiene intención aleccionadora con sus palabras. Es el espectador quien extrae sus conclusiones… y se estremece de temor. Porque queda de manifiesto que en cualquier época, hoy mismo, una persona ansiosa de poder, con las cualidades necesarias y falta de escrúpulos, puede llegar a convertirse en un dictador.

El día 28 de abril de 1945, Benito Mussolini, después de un juicio sumarísimo, fue fusilado. Pero con él no murió el último dictador ni el “fascismo”, en tanto que masa que se deja moldear con el pensamiento único y obedece dócilmente a las consignas del autócrata de turno, tal vez bajo la confusa apariencia de régimen democrático y de libertad. El nuevo dictador, de forma artera, creará su propio sistema totalitario para manipular a la masa y conseguir sus perversos propósitos de poder político y/o económico.

No son tres partes delimitadas de la película, sino que la acción va progresando a ritmo constante –con algún respiro para aliviar la tensión y que el espectador pueda asumir toda la carga de admonición que se desprende de las confesiones del protagonista– hasta alcanzar el clímax, cuando ya no queda nada más que encontrar en los recuerdos.

En esta magnífica película, Gordon no intenta en absoluto humanizar ni justificar la figura de Benito Mussolini. Sencillamente lo presenta, con la técnica de la introspección, hablando de sí mismo, pero sin arrepentimiento, con la asunción de su fracaso, aunque no de su culpa. Pero finalmente, a pesar de que sigue manteniendo su ideología atroz, no puede dejar de experimentar el enorme vacío de una vida dedicada exclusivamente a la satisfacción de las propias pasiones y, muy en fondo de su alma corrompida, a sentir un cierto deseo de perdón.

Un acertado juego de luces y sombras nos presenta la imagen del “último César de Roma” en toda su grandeza, y un juego de espejos, en toda su deformidad. La cámara utiliza oportunamente los primeros planos del dictador. Sin necesidad de hablar se expresa el orgullo desmedido del personaje, la firmeza, los rencores, la amargura… Y el zoom sobre los desconchados de las viejas paredes o sobre la araña atrapada en su tela, en la soledad de un rincón, como Mussolini solo y desnudo ante sí mismo, grita la destrucción y la muerte.

Es una película impresionante, que pide ser vista con calma, comprometidamente. El espectador debe involucrarse totalmente, para atender a los dos planos de la película. Por una parte, la línea argumental, que va mostrando quién fue Benito Mussolini, ese joven revolucionario, hijo de un herrero, que llegó a tener un papel preponderante en la Europa herida por el nazismo de Hitler y el comunismo de Stalin.

Y al hilo de la experiencia personal y política del Duce, el aviso de que Stalin –el último superviviente de los tres autócratas implicados en la Segunda Guerra Mundial– no fue el último dictador. El peligro (¿sólo peligro?) se sigue cerniendo sobre nosotros.

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