PELICULA RECOMENDADA POR CINEMANET Título Original: Ella y el candidato Director: Roberto Girault. Guión: Oleg Negin (escritor) Intérpretes: Héctor Aredondo, Rocío Verdejo, Jorge Lavat y Daniel Martínez. País: Méjico. Año: 2011. Estreno en Méjico: 22-Noviembre-2011. Duración: 90 min. Género: Drama / Política. Calificación: Para todos los públicos.

SINOPSIS

Méjico, tiempos actuales. Luis Fernando, inmerso en la vida política de su país decide intentar por segunda vez ganar las elecciones presidenciales sin haberlo consultado antes con Lorena, su esposa y la madre de sus tres hijos. Han vivido un matrimonio feliz y formado una familia unida, pero las nuevas circunstancias llevan aparejadas tensiones por los viajes constantes, mítines ante el electorado y presiones externas de algún grupo con intereses particulares. Además Lorena tiene malos recuerdos de la primera campaña que realizó su marido, fallida, lo que le llevó a una depresión que ella teme se repita si vuelve a perder frente al otro candidato.

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CRÍTICAS

[Maria del Pilar Madrigal y Alós - Colaboradora de CinemaNet]

Esta segunda película dirigida por Roberto Girault se desarrolla en el mundo de la política, entre el aparato del partido y toda la actividad que un candidato y su equipo directo llevan a cabo cuando compiten por un puesto público. Es muy interesante comprobar el trabajo de los colaboradores con la persona que se presenta a la elección. Requiere mucho tiempo y esfuerzo que esa persona debe restar a su propia vida privada. Por eso, si su cónyuge y familia directa lo apoyan es todo más fácil de sobrellevar.

En su ópera prima (El estudiante) el guión nos situaba en el mundo universitario y partiendo de él surgían historias basadas en la familia, la amistad y el amor. En esta ocasión cambia el escenario, y el tema principal lo centra en la importancia de la familia frente a la ambición por alcanzar el éxito. Exagera un poco ciertas escenas de enfrentamiento entre los esposos por mala comunicación entre ellos. Pero sirve a la historia para que entendamos lo sola que se va sintiendo Lorena al verse desplazada por todos los demás secundarios que rodean al candidato, su marido. El director “ha pretendido plasmar la riqueza de la experiencia personal y ha deseado comunicar a las generaciones el secreto para seguir enamorado” (palabras textuales).

Quizá menos redonda que su primera película, ésta enseña un lado más complicado de la relación entre una pareja. La presión de tratar de hacerlo todo bien en un corto espacio de tiempo, siendo observados casi constantemente por el público y su propio séquito político…todo va minando la confianza. Él porque arrastra un fracaso previo y está empeñado en que ahora lo van a conseguir por fin. Ella porque le promete apoyo medio obligada y no termina de dárselo cuando lo necesita de verdad.

En cambio los valores familiares y la vida cotidiana se retratan con mucho realismo. Los hijos y sobre todo un pariente de avanzada edad dan equilibrio al hablar sobre valores, sentimientos y vicisitudes que todos vivirán juntos. Para dar acción a la trama hay también conspiraciones de compra-venta de votos, incertidumbres y demás. Tiene momentos de cierta monotonía en los que ritmo de la trama parece perderse un poco, pero el fondo es bueno y el contenido totalmente recomendable.

Por último comentarles que la fotografía es reflejo de un país hermoso, casas de moderna arquitectura muy agradables de ver y buen gusto en general. Con varias escenas a destacar en las que se nota que el director ha experimentado más con la cámara, como el giro de 360 grados en torno al candidato y sus colaboradores discutiendo en el hall de su gran casa, junto a las escaleras; y mi favorita, el momento de soledad de Luis Fernando apoyando la cabeza en la cristalera frente al jardín en plana noche, destacando el verde del césped exterior en contraste después con la silueta en negro del protagonista, de gran belleza estética.

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ESTRENO RECOMENDADO POR CINEMANET Título Original: “Les Lyionnais”. Director: Olivier Marchal. Guión: Olivier Marchal y Edgar Marie ( basada en el libro de Edmond Vidal titulado “Pour une poignee de cerises” ). Intérpretes: Gérard Lanvin, Estelle Skornik, Daniel Duval, Lionnel Astier, Olivier Chantreau, Etienne Chicot, Olivier Rabourdin, Tchèky Karyo Producción: Cyril Colbeau-Justin y Jean-Baptiste Dupont. Música: Erwann Kermorvant. Fotografía: Denis Rouden. País: Francia. Año:2011. Estreno en España: 4 de Mayo de 2012. Duración: 102 min. Género: Drama, Thriller.

SINOPSIS

Esta película nos narra los hechos más relevante en la vida de Edmond Vidal (alias Momon), francés de origen gitano que tras su paso por la cárcel entrará en el crimen organizado y acabará formando “La Banda de los Lioneses”. En la década de los setenta se hizo célebre en Francia por llevar a cabo atracos a mano armada, de los que obtuvo grandes botines de dinero en metálico.

Cercano a los sesenta años su vida transcurre en paz junto a su esposa, sólo desea que hijos y nietos vivan de una manera honrada. Todo se complica cuando detienen a su amigo desde la infancia y tiene que tomar cartas en el asunto. Poniendo en peligro su propia felicidad y la seguridad de los suyos.

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CRÍTICAS

[Mª del Pilar Madrigal y Alós - Colaboradora de CinemaNet]

Se trata de una de las mejores películas que tratan el tema de la delincuencia y las actividades mafiosas en general. Aunque su guión es bastante previsible en su desarrollo, la originalidad radica en sus reflexiones morales. Desde el mismo inicio el protagonista medita, ya mayor, aquel consejo que en su infancia le dio su padre: “Hijo, en la vida no olvides ser un buen hombre, hablar poco y no desviarte por el mal camino”.

Basada en el libro autobiográfico titulado “Por un puñado de cerezas” (en referencia al motivo que lo llevó a la cárcel por primera vez), nos introduce en el mundo de códigos y lealtades del crimen, y nos muestra los peligros inherentes al mismo. Un gesto de amistad al conocerse en el colegio le llevará a querer y confiar por completo en su amigo Lilou Suttel. Momon es fiel a una lealtad inquebrantable y no dudará nunca de Lilou. Ése y otros valores, como su amor a la familia, el respeto a su mujer… se mezclan con una acción trepidante y los planes para realizar robos hasta 1974, cuando es arrestado de forma espectacular después de haber conseguido fama por mantener en jaque a la policía francesa durante demasiado tiempo.

El director, Olivier Merchal, antes de dedicarse al cine fue miembro de la policía, y ésta es la primera película en la que expresa el punto de vista de los criminales a los que perseguía. Utiliza elmaterial literario con la historia del verdadero Edmond Vidal, y la presenta por medio de flashbacks, saltando del presente al pasado y viceversa (a veces un poco ridículos, como las escenas de celebración de su época juvenil en la discoteca). Recuerda mucho el esquema de otros films similares, con poca originalidad, pero el personaje principal mantiene el interés por la lucha interior entre el bien y el mal. Gérard Lanvin interpreta con madurez su papel y su atractivo capta toda la atención del espectador. Junto con su esposa Lilou y su amigo Suttel dará cuerpo a la trama y apoyo a los demás secundarios que orbitan a su alrededor. Hay violencia explícita, sin ser demasiado desagradable, con homenajes en algunos momentos a películas míticas como “El Padrino“. Abundan más los diálogos y hasta los momentos de reflexión personal, más inteligentes y profundos de lo que pueda parecer en un principio. Dando valor moral a decisiones bastante extremas, incluso de vida o muerte.

La fotografía diferencia bien las épocas históricas, nítida en los colores y ambientación actuales, y más borrosa (como si se tratara de fotogramas antiguos) en las partes que recrean décadas pasadas. Con una música estupenda que remite a cuarenta años atrás. Una curiosidad para los amantes de la arquitectura: todas las casas que aparecen, urbanas o rurales, son magníficas. Toda una sorpresa teniendo en cuenta que también se desarrollan escenas en poblados de chabolas embarrados, por ejemplo. Cuando la vean no sólo encontraran miseria y delincuencia más o menos organizada, también hallaran sentimiento de familia, lealtad inquebrantable, orgullo de origen, mucha amistad, un gran amor... y una búsqueda de la paz tras mucho sufrimiento. Edmond Vidal es un hombre sencillo y lleno de bondad, a su manera.

[Juan Orellana - Pantalla 90]

El director de este vigoroso thriller es el curtido Olivier Marchal (MR 73, Asuntos pendientes), actor y cineasta francés que comenzó su carrera profesional como inspector de policía, y que luego se ha convertido en un experto en películas y series policíacas. En este caso adapta “Por un puñado de cerezas”, las memorias de Edmond Vidal, delincuente de raza gitana que tuvo en jaque a la policía francesa en los años 70 del siglo pasado, al encabezar el clan de Los Lioneses.

La película cuenta una historia muy clásica: delincuente en el pasado, que se ha convertido en el presente en un hombre afable, buen marido y buen padre. Pero ocurre algo que le obliga a decidir si seguir siendo un ciudadano honrado o desenterrar su lado villano. Lo bueno de esta cinta es que, siendo poco original, bastante violenta y puro género, da prioridad a los conflictos morales y dramáticos de los personajes, gracias a unos actores descomunales, como Gerard Lanvin. La cinta recuerda mucho a El Padrino, no sólo por ciertas situaciones, sino por su exaltación de los códigos de la lealtad y del honor.

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PELÍCULA RECOMENDADA POR CINEMANET Título Original: The vow Año de producción: 2012 País: EEUU Dirección: Michael Sucsy Intérpretes: Rachel McAdams, Channing Tatum, Sam Neill, Scott Speedman, Wendy Crewson, Jessica Lange Guión: Abby Kohn, Marc Silverstein, Jason Katims Música: Michael Brook, Rachel Portman Fotografía: Rogier Stoffers Distribuidora en cine: Sony Pictures Duración: 104min. Género: Drama Fecha de estreno es España: 23 de marzo de 2012

SINOPSIS

The vow trata la historia de una pareja recién casada, Paige y Leo, que tuvieron un desafortunado accidente de coche donde ella sufrió una lesión cerebral que la dejó en coma durante cuatro meses. Al despertar, se había olvidado de todo cuanto aconteció los últimos años, así como del sentimiento de amor hacia su marido. Ella (Rachel McAdams) oscila perdida en los recuerdos de una vida que fue su pasado y combatiendo para recuperar su verdadera vida, incapaz de igualar o corresponder el sentimiento que su marido le demuestra. Leo (Channing Tatum) se sujeta con fuerza al lazo matrimonial que los une y al intenso amor que siente por su mujer, y se compromete a cuidarla, acompañándola en su adversidad y ayudándola a recuperar su identidad.

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CRÍTICAS

[Marta Gª Outón - Colaboradora de CinemaNet]

Cada uno es como una caja. En nuestro interior vamos guardando las piezas de nuestra vida y es el conjunto de ellas lo que nos hace seguir hacia delante. Sin embargo, si alguien de pronto abre la tapa de nuestra caja y retira de ella un grupo de recuerdos y acontecimientos que allí teníamos, ¿no estaría también eliminando parte de nuestro ser? Sería como si no hubiéramos dado esos pasos que nos han empujado a crecer, a conocernos a nosotros mismos o a escoger nuestro propio camino. ¿Podríamos volver a recuperarlo todo de nuevo, tal y como lo habíamos conservado? Esa es la cuestión que circula y sustenta la trama de este drama romántico, basado en una historia real

The vow trata la historia de una pareja recién casada, Paige y Leo, que tuvieron un desafortunado accidente de coche donde ella sufrió una lesión cerebral que la dejó en coma durante cuatro meses. Al despertar, se había olvidado de todo cuanto aconteció los últimos años, así como del sentimiento de amor hacia su marido. Ella (Rachel McAdams) oscila perdida en los recuerdos de una vida que fue su pasado y combatiendo para recuperar su verdadera vida, incapaz de igualar o corresponder el sentimiento que su marido le demuestra. Leo (Channing Tatum) se sujeta con fuerza al lazo matrimonial que los une y al intenso amor que siente por su mujer, y se compromete a cuidarla, acompañándola en su adversidad y ayudándola a recuperar su identidad.

Los dos únicos proyectos cinematográficos de Michael Sucsy (The Green Garden -con el que consiguió el Globo de Oro y el Premio Emmy- y The vow: todos los días de mi vida) están basados en hechos reales. Es un director afianzado en la realidad, que pretende resaltar aquellos acontecimientos desbordantes de fuerza emotiva y positiva –simples historias que recogen sucesos particulares y sencillos, lejos de los grandes escándalos que tantas secuelas y versiones audiovisuales han inspirado- y gestos humanos que bien podrían convertirse en gestas.

La interpretación de los actores cobra una mayor fuerza por su capacidad de demostrar el debate psicológico al que se enfrentan que a través de las palabras. La atención del espectador cae en el personaje de Leo, contagiado por el dolor que él sufre por la pérdida de su mujer y motivado por la admirable postura positiva y de determinación por recuperarla, “amándola tal y como es, no tal y como él esperaba que fuera” y “en amarla, sin importar las dificultades que puedan encontrar”.

El guión peca de algo previsible y de algo superficial, carente de más escenas que nos demuestren el drama y apoyen la intensidad del sentido del film. Sin embargo, a pesar de su sencillez y algo descuidada historia, se trabaja con muy buena voluntad y éxito lo que de verdad significa amar.

Juan Orellana [Pantalla 90]

Paige y Leo son un matrimonio feliz y enamorado. Un día de invierno sufren un accidente de tráfico y ella entra en coma. Cuando vuelve a la conciencia ha perdido la memoria de los últimos años y no recuerda ni siquiera a su marido. Pero sí recuerda al novio anterior que tuvo. Leo hará todo lo posible para que su mujer vuelva a enamorarse de él, pero no va a ser fácil. Y además la familia de Paige va a hacer lo posible para que eso no suceda.

El director televisivo Michael Sucsy debuta en el largometraje de ficción con este drama romántico escrito por Stuart Sender e inspirada en hechos reales. El formato es muy clásico, de fórmulas previsibles, pero con un guión bien trabado, unas interpretaciones brillantes, y con un conseguido tono que ni cae en el melodrama ni en la comedia tonta. Entre Rachel McAdams y Channing Tatum hay mucha química, y Jessica Lange y Sam Neill son dos secundarios de lujo.

La película es un férreo homenaje al amor de pareja, capaz de renuncia y sacrificio por el bien del otro, pero también es un canto al perdón y a la importancia de los vínculos familiares. Aunque se trató un tema parecido en 50 primeras citas, está es incomparablemente mejor, más profunda, interesante y nada frívola. De hecho, es casi una película familiar.

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ESTRENO RECOMENDADO POR CINEMANET Título Original: This Must Be the Place Director: Paolo Sorrentino. Intérpretes: Sean Penn, Frances McDormand, Eve Hewson, Judd Hirsch, Kerry Condon, Harry Dean Stanton, Joyce Van Patten, David Byrne. Producción: Francesca Cima, Nicola Giuliano y Andrea Occhipinti para Indigo Film, Lucky Red, Medusa Film, France 2 Cinéma, ARP Sélection y Element Pictures. Música: David Byrne, con letras de Will Oldham. Fotografía: Luca Bigazzi. Montaje: Cristiano Travaglioli. Diseño de producción: Stefania Cella. Vestuario: Karen Patch. Distribuidora: Alta Classics. Estreno en España: 11 Mayo 2012. Países: Italia, Francia e Irlanda. Año: 2011. Duración: 118 min. Género: Drama.

SINOPSIS

“Un lugar donde quedarse (This must be the place)” nos cuenta la historia de Cheyenne, un judío cincuentón, antigua estrella del rock, que sigue la estética gótica y lleva una vida aburrida de prejubilado en Dublín. La muerte de su padre, con el que hacía tiempo que no se trataba, le lleva de vuelta a Nueva York, donde, a través de la lectura de algunos diarios, reconstruye la vida de su padre en los últimos treinta años, en los que se dedicó a buscar obsesivamente a un criminal nazi que se había refugiado en Estados Unidos. Con una inexorable lentitud y sin capacitación alguna como investigador, Cheyenne, contra toda lógica, decide continuar la tarea de su padre y emprende la búsqueda del nonagenario alemán a través de Estados Unidos.

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CRÍTICAS

[Jerónimo José Martín - COPE]

Cheyenne (Sean Penn) es un judío cincuentón, antigua estrella del rock, infantil y depresivo, que sigue vistiendo al más duro estilo gótico y arrastra su aburrimiento por Dublín junto a su activa y cariñosa esposa Jane (Frances McDormand), que es bombero de la ciudad. La muerte de su padre, con el que hacía treinta años que no hablaba, le lleva de vuelta a Nueva York. Allí descubre que su padre dedicó su vida a buscar obsesivamente a un oficial nazi que le humilló en Auschwitz y que se refugió en Estados Unidos. Con su inexorable lentitud y su aparente incapacidad como investigador, Cheyenne reemprende la búsqueda del nonagenario alemán.

La languidez de Wim Wenders en París, Texas y el surreal hiperrealismo de David Lynch en Una historia verdadera se dan la mano en esta singular película de Paolo Sorrentino (Las consecuencias del amor, Il Divo), uno de los más destacados cineastas italianos actuales. Se trata de una hipnótica road-movie de maduración y redención, en la que el entrañable protagonista constata el vacío de su adinerada existencia, identifica valientemente las causas del mismo -la fama, las drogas, el desarraigo, la falta de trascendencia.- e intenta llenarlo ayudando a los demás, ejercitando de algún modo su ansiada paternidad y reconciliándose post mortem con su padre recorriendo la senda del perdón que él debería haber realizado.

Todos estos interesantes temas y algún otro los traduce Sorrentino en una lenta y contemplativa puesta en escena, de jugosa planificación, precioso acompañamiento musical y bella fotografía -a cargo de Luca Bigazzi-, que le permite saltar del drama a la comedia con gran agilidad y notable intensidad emocional. Llenan de humanidad la propuesta unos intérpretes excelentes, entre los que destacan Frances McDormand, la joven Eve Hewson -hija de Bono, el cantante de U2- y un Sean Penn apabullante, que hace creíble y cercano a un personaje aparentemente imposible.

[Mª Ángeles Almacellas - Colaboradora de CinemaNet]

Un lugar donde quedarse (This must be the place) nos cuenta la historia de Cheyenne, un judío cincuentón, antigua estrella del rock, que a pesar de haber abandonado la música y los escenarios desde hace veinte años, ha quedado encarcelado en su personaje: tiene el pelo largo y negro, y cada mañana se maquilla como si fuera a dar un concierto. Vive en una enorme casa en Dublín, con buenos recursos económicos gracias a los derechos de autor y a su una gran habilidad para invertir en Bolsa.

Está casado desde hace treinta y cinco años con una mujer, Jane, bombero de profesión, que es todo alegría y vitalidad y que con su sentido común equilibra el aparente despiste de su cónyuge. Sin embargo, Cheyenne no es feliz y deambula por Dublín, con andares de ancianita y su voz blanca vacilante de adolescente, apático, aburrido, deprimido, huyendo de las pocas personas que aún recuerdan su nombre, excepto de su esposa y de una joven gótica con problemas familiares que es su mayor fan.

La muerte de su padre, con el que había interrumpido las relaciones 30 años atrás, lo lleva de vuelta a Nueva York.  A través de la lectura de los diarios personales, descubre que dedicó su vida a buscar obsesivamente al nazi que lo humilló en el campo de concentración y que se había refugiado en Estados Unidos. Cheyenne decide entonces proseguir él mismo la búsqueda de ese hombre, sin saber, en realidad, qué hacer si lo encuentra.

Así comienza un desconcertante viaje, en el que, con una inexorable lentitud y sin capacitación alguna como investigador, Cheyenne se ve obligado a salir de sí para encontrarse con diversos personajes y, por fin, deja de ser un eterno niño.

La película funciona mejor al principio, cuando el espectador, sorprendido por el excéntrico personaje, está en tensión, intentando averiguar de qué va todo. Pero, sin dejar de seguir la trama con interés, el desarrollo de la acción es tan plano que languidece la atención porque no hay ningún misterio que desentrañar. La historia carece de profundidad y los personajes aparecen y se desvanecen sin resolver (un extravagante indio que surge de la nada y desaparece en la nada sin pronunciar palabra, el desconocido que le presta la camioneta, el joven tímido que está enamorado de la joven amiga de Cheyenne, el amigo desaparecido… hasta su misma esposa, cuya personalidad queda desdibujada).  Los diálogos son inteligentes y anuncian temas interesantes, pero tampoco se desarrollan.

Hay algunos momentos logrados y en ocasiones provoca la risa o, por lo menos, la sonrisa del espectador. En conjunto, es un film de buena calidad pero con ciertos límites, desconcertante, con un ritmo indolente y  apático, como el mismo protagonista.

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Cuando Michel y Marie-Claire celebraran una fiesta con hijos, nietos y amigos por su trigésimo aniversario de boda, reciben como regalo dinero y billetes para viajar a los pies del Kilimanjaro. Pero en un robo les arrebatan los obsequios y esa circunstancia les llenará de desconcierto. Las nieves del Kilimanjaro es completamente recomendable para todo tipo de públicos, una delicia amable y conciliadora.

A FONDO

[Sergi Grau. Colaborador de Cinemanet]

EL SIGLO XX A TRAVÉS DEL CINE
10. FEDERICO FELLINI

Película: La Dolce Vita
Temática: La sociedad del ‘miracolo’ económico

“Esto no es amor. Es brutalidad”

Marcello Rubini

Al término de la Segunda Guerra Mundial, de una sociedad condicionada por la miseria y de unos cineastas ávidos por reaccionar contra los años de contriciones del Fascio emergió un movimiento, una forma de aprehender la vida mediante el cinematógrafo que causó auténtico furor en toda Europa, y que de hecho alentó lo que parecía impensable: una fórmula a partir de la cual las pequeñas cinematografías (como lo era la italiana entonces) pudieran plantarle cara a la todopoderosa industria dominante, la de Hollywood. Hablo, por supuesto, del neorrealismo, que tuvo como principales estandartes a Roberto Rossellini (Roma, ciudad abierta (1945), Paisà (1946), Alemania, año cero (1948)), a Vittorio de Sica (Ladrón de bicicletas (1948),  Umberto D (1951)) y a Luchino Visconti (La terra trema (1947), Bellísima (1951)), y que se caracterizó por una escenografía que buscaba el verismo documental –actores y escenarios naturales, iluminación naturalista, etc- a efectos de plasmar radiografías de corte social y contextual despojadas de todo efectismo.

El cineasta que nos ocupa, Federico Fellini (1920-1993), forma parte de una generación inmediatamente posterior, y en los anales del cine viene emparentado con nombres como el de Michelangelo Antonioni: ambos abrieron sendas a la modernidad. Pero en la filmografía de Fellini –que se forjó como guionista de alguna de las obras de Rossellini, caso de las citadas Roma, ciudad abierta y Paisà, y de Francisco, juglar de Dios (1950)- se hace bien patente esa herencia artística, y en su primera franja filmográfica títulos como Los inútiles (1953), La Strada (1954) o Las noches de Cabiria (1957) nos invitan a comprobar cómo es desde las señas del neorrealismo que emergerá la tan idiosincrásica y genuina personalidad del cineasta.

De hecho incluso en esta su séptima película, La Dolce Vita (1960), cabe identificar elementos neorrealistas, principalmente el sesgo sociológico que atraviesa el relato, ese pulso que el filme le toma a la Roma contemporánea y a buena parte de los representantes de su estratificación social. Sin embargo, no es menos cierto que esa palpitación temática está integrada en una lectura dramática muy específica (la exploración emocional-existencial de su protagonista), amén de subjetivizada por pistas ora hiperbólicas, ora líricas, ora expresionistas, que son las que en definitiva desentrañan la maraña creativa de Fellini. La Dolce Vita plantea, sin miramientos, la decadencia de una sociedad apenas reconstruida; nos habla de depravaciones morales y de oquedades intelectuales como pautas aceptadas de comportamiento y como consignas de distinción, todo ello sin necesidad de referenciar los horrores del pasado o recurrir a la denuncia social de corte convencional. Erige, con pasmosa clarividencia, el concepto de la ciudad contemporánea como laberinto para el alma y como monstruo devorador, concepto que dará en convertirse en uno de los grandes temas del Cine y del Arte. Por eso, entre muchas otras razones, decimos que Fellini fue, mucho más allá de un adalid de la modernidad, un auténtico visionario.

El protagonista de la función, Marcello (Mastroiani, inmenso), es un escritor reciclado a periodista para una publicación de corte rosa-amarillista. Su itinerario, desnortado, por los lugares, luces y sombras de la ciudad raíla el itinerario cinematográfico que Fellini nos propone. Y aunque el filme, dividido en diversos pasajes diferenciados, parece al principio que utiliza a Marcello como mera excusa para ir visitando lugares, gentes y situaciones, y aunque Fellini convierta cada uno de esos lugares, gentes y situaciones en carismáticos (sea por su belleza, por su febrilidad, por su excentricidad o tono grotesco, por la cualidad acerada o cínica del retrato, por los intensos matices en el aparato descriptivo, o incluso, en ocasiones, por ese algo etéreo, irreal, que lo sostiene), lento pero seguro vamos intimando con Marcello, y descubrimos que lo que La Dolce Vita perfila en esencia, y con la misma hondura intelectual que ilimitado campo para la sugerencia, es el modo en que esos lugares, esas gentes, esas situaciones, esa rutina van haciendo mella en el ánimo y existencia del protagonista, moldeando su carácter más de la cuenta, sugestionando sus sentidos y definiendo sus actos.

Conociendo a Marcello a través de su novia y sus amantes de ocasión, de su amigo Steiner, de su padre, e incluso de su inseparable Paparazzo, podemos decir que es un escritor frustrado, un neurótico impenitente, un hombre que ha perdido sus raíces, un amante indeciso, un tipo débil; pero también una víctima de su propia sensibilidad, un hombre cuya inspiración ha sido cercenada. Y ahí llegamos al ensueño que canaliza en buena medida las descripciones anímicas: con ellas, Fellini alcanza su tesis, desolada precisamente por el previo enunciado de ese ensueño, que tras el insoportable tránsito convierte la capacidad de fascinación en una fría piedra. Bastan pocos segundos en cada uno de esos pasajes que componen la narración, cortos planos que muestran a Marcello moverse más allá de la inercia enajenada de su entorno, inquiriéndose, lamentándose, trascendiendo de lugar y pensamiento. A Fellini le bastan esos instantes, pocos, para erigir la clase de distancia que existe entre el espectador y el espectáculo, la portentosa carga de melancolía que impregna toda la película.

La mirada felliniana está poblada de un sinfín de aristas mitológicas. Sin embargo, se trata de una clase enfermiza de mitología. De la misma y maligna jaez que esa aristocracia patética y sus juegos de equívocos sofisticados y despreciables. De calaña parangonable a la de esa presunta clase bohemia enquistada en la nadería, la desconsideración al prójimo y la perversión. Una mitología de lo corrupto, poblada por tantas mujeres inalcanzables e insensatas, incomprendidas o incomprensibles, neurasténicas, bufonas, toscas o parias. Una mitología materializada por focos y clichés fotográficos depredadores, que enaltecen cualquier farsa, cualquier mascarada, cualquier sufrimiento humano. Una mitología que aborta la posibilidad de redención, la belleza. Una belleza que se confunde con una quimera en la fontana di trevi, pero que habita muy lejos de allí. Quizá cerca de la triste lucidez de un espectáculo crepuscular en el que un payaso invita a los globos a seguir su abatida tonadilla. Quizá sólo al alcance de la inocencia, ésa que Marcello puede contemplar en la secuencia en la terraza del restaurante, pero a la que al final, tranquila y trágicamente, renuncia.

Si decimos que Federico Fellini fue un genio no nos referimos a sus personalísimas inquietudes creativas, sino al hecho de que fuera capaz de darles cauce de un modo tan deslumbrante. A que su visión, de texturas infinitas, se convirtió en imágenes, su fuerza y lírica prestas a sugestionar a los espectadores, de entonces como de ahora.

[María Martínez. CinemaNet]

El director mexicano Roberto Girault, que estuvo en abril en Madrid para participar en la Muestra Internacional de Cine que Inspira ‘De Madrid hasta el cielo’, ya había visitado nuestro país hace unos meses para recoger el Premio Familia de CinemaNet. Fue una ocasión para conocer y convivir con una gran persona, como se muestra en esta entrevista

¿Qué ha significado recibir el Premio Familia que, más que una labor profesional concreta, premia el contenido de su película ‘El estudiante’?

Para mí es un gran honor, nunca lo imaginé cuando estaba en mi computadora, escribiendo y borrando el guión. Cómo iba a imaginar el resultado, y la trascendencia que iba a tener. La única forma de explicarlo es la sed que la gente tiene de encontrarse y reflexionar sobre la verdad. No porque yo esté en posesión de ella, sino porque tocamos temas que no se tocan mucho en el cine. Y a la gente le gusta reflexionar sobre eso. Que premien el contenido de la película para mí es mayor orgullo, porque significa que no vamos tan mal. Es una palmadita en la espalda que te dice “Adelante, sigue haciendo más”.

Se habla mucho de “cine con valores”. Pero, ¿qué valores en concreto quiere presentar, y qué contravalores ve en el cine?

Me gusta mostrar todos los valores que mueven a la persona. Sobre todo el amor, que es el principio y el final del hombre; ese amor que nos lleva a luchar por ideales y por personas, por nuestra propia dignidad. Se puede hablar de amor en una comedia, en una tragedia, en una película de terror… Si lográramos entender lo que es realmente ese amor, el amor que nos hizo, que nos espera; el amor que nos mueve… seríamos mucho más felices y viviríamos más en paz. Pero no es nada fácil, y vivirlo es tarea aún más difícil.

Ese modelo de amor, sobre todo entre la juventud, se enfrenta a muchos intentos de rebajarlo. En ‘El estudiante’ ya se tocan temas como la banalización de la sexualidad, un embarazo inesperado…

La sociedad actual ha manipulado y ensuciado mucho esa palabra con fines mercantilistas, publicitarios. En “El estudiante” lo explica muy fácilmente Chano, cuando dice que “Pensamos que el amor es tener derechos, cuando en realidad se funda en renuncias”. Todo esto, en base a una cita del Quijote: “Le dirás a la incomparable Dulcinea que su caballero murió por hacer cosas que lo hiciesen digno de ser llamado suyo”. Para mí, ahí está el resumen de lo que es el amor. Lo que dice Chano es muy cierto, no sólo sobre lo que es el amor sino sobre lo que está pasando en la sociedad en este momento. Nosotros pensamos que amar es tener, le tenemos miedo a la renuncia, al dar y al darnos. Eso nos aleja de la felicidad y de la paz, porque así nadie se queda satisfecho consigo mismo.

Cuando falla la familia, también da lugar a otros muchos problemas en la sociedad. En ‘El estudiante’ se intuye, a través del personaje de Eduardo, el chico drogadicto.

Toda la historia detrás de Eduardo es ésa: tiene una familia disfuncional, y por eso la mamá sufre tanto cuando lo ve herido, cuando le descubre la droga en el pantalón… Y lo único que puede decirle es pedirle perdón, los dos se lo dicen. Cuando la estructura de la familia falla, la estructura de la persona misma falla, porque se deja a merced de la soledad, y son blancos fáciles.

¿Qué respuesta hay ante estos problemas?

Es un escenario por un lado triste, pero por otro apasionante, porque nos da la oportunidad de regresar a las raíces, de apasionarnos con ellas y de volver a enseñarlas. Mostrar no sólo lo que es el amor, sino lo bonito y apasionante que es. Y no es fácil, no es un tema sencillo que si se lo explicas a los jóvenes ya mañana van a dejar de tener relaciones o de tomar el amor de una forma superficial. Van, o vamos, porque es algo que nos pasa a todos. Yo también me dejo llevar por esta ola de superficialidad, que te invita a adorarte y a buscar te a ti mismo constantemente.

¿En qué situación están las familias en México?

La familia en todo el mundo vive una situación difícil. Si de algo se ha encargado el mal en destruir es la familia. Y México no es la excepción. El número de divorcios cada vez crece más, de infidelidades, de embarazadas solteras, de niños huérfanos… Es un tema muy triste y muy peligroso, porque la sociedad depende de la fortaleza de sus familias. Cuando no hay dicha fortaleza y dicha unión, cuando se deja de creer en la familia como una institución sólida y celular se corre el riesgo de destruir toda una sociedad.

¿Por qué es tan importante el cine para transmitir valores? ¿Cuál es la mejor forma de hacerlo?

El cine es el arte que conjuga todas las demás artes para contar una historia. Por eso, tiene una fuerza muy específica y muy especial. Puedes suscitar reflexiones, que cristalicen en valores. Yo tengo muy clara la responsabilidad que hay detrás de la cámara, y busco siempre fomentar valores que dignifiquen a la persona, a la sociedad y a la familia. El secreto es no sólo platicar de ellos, sino mostrar su belleza, lo apasionante, positivo e inspirador que es tener y vivir esos valores. Si no, estamos desperdiciando una magnifica herramienta. Esto, además, honrando el cine, acercándote a él con humildad para entender su grandeza. Si lo utilizamos sólo como una herramienta para meter los valores, entonces vamos a hacer mal cine.

Sin embargo, cuando se muestra lo apasionante de estos valores, encarnados en personajes como Chano y su mujer, no faltarán quienes le tachen a uno de utópico, afirmando que alguien así no puede existir de verdad.

Quiero recordar que esta película está inspirada en una persona real, el abuelo de mi socio Gastón Pavlovich, que era tal cual como Chano: un personaje al que la vida le quedaba corta, que adoraba y tenía como libro de cabecera ‘El Quijote’, que adoraba a su esposa, a la que también decía “Mi sirenita”; alegre, inspirador, que vive dentro de un círculo católico, de tradiciones y de costumbres. A Gastón le dejó un sello tan fuerte que quiso hacer una historia sobre él.

Entonces, ¿es fundamental el testimonio personal?

Ningún artista, ningún creador, puede dar lo que no tiene. Soy muy consciente de que cuando haces una obra te basas en tu bagaje cultural, formativo. Para escribir ‘El estudiante’, tuvo un peso muy específico la formación que yo recibí en mi familia; una familia de tradición católica, con diez hermanos. Mis papás cumplen 50 años de casados este año, y no ha sido una vida ni un matrimonio fácil. Sin embargo, siempre nos han guiado por el mismo camino. Siempre nos han enseñado con su ejemplo y con su dedicación, con su fe, esperanza y caridad, a ver y mirar la vida. También he estado en colegios católicos. Eso me dio la suficiente sensibilidad y bagaje para armar todo el guión de ‘El estudiante’.

PELÍCULA RECOMENDADA POR CINEMANET Título Original: Pay it Forward Año de producción: 2000 País: EEUU Dirección: Mimi Leder Intérpretes: Kevin Spacey, Helen Hunt, Haley Joel Osment, Jay Mohr, James Caviezel (AKA Jim Caviezel), Jon Bon Jovi, Angie Dickinson Guión: Leslie Dixon Música: Thomas Newman Fotografía: Oliver Stapleton Distribuidora en cine: Warner Bros. Pictures Duración: 122min. Género: Drama Fecha de estreno es España: 9 de febrero de 2001

SINOPSIS

La historia es inocentemente vista a través de los ojos de un niño (Haley Joel Osment) que se cría bajo los cuidados de una madre desequilibrada e irresponsable (el carácter del joven Trevor a veces acoge el papel adulto para cuidar a su madre, quien está rendida al alcohol y a un trabajo que la ata la mayor parte de las horas del día), en los suburbios de Los Ángeles y educado en un colegio donde en el recreo impera la ley del más fuerte. Igualmente, su profesor (Kevin Spencer), es un hombre trastornado interior y exteriormente quien, tras una dura coraza, esconde un profundo dolor por un pasado no muy diferente al de Trevor. El niño, en un principio, convierte la tarea de su clase de sociales en un objetivo escolar; sin embargo, al final lo motiva para darse cuenta que con sus acciones, muchas personas realmente pueden dar un importante salto que los libere de su esclavitud personal.

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CRÍTICAS

[Marta Gª Outón - Colaboradora de CinemaNet]

¿Qué es lo que podemos hacer para cambiar y mejorar el mundo? Es un reto que, como indica el profesor Eugenio Simonet (Kevin Spencer), puede resultar utópico. Sin embargo, así no lo ve Trevor (Haley Joel Osment), quien emprende una sencilla propuesta con la que iniciar el bien mayor. Así, se empeña a ayudar a tres personas en realizar algo que por ellos mismos no serían capaces de lograr; éstas, a su vez, deben responder igual, siguiendo con ésta entrega hasta lograr expandir una inmensa cadena de favores que convierta a las personas en instrumentos de caridad y generosidad.

En un principio, el empeño resulta descabellado e ilógico, puesto que pocos son los acostumbrados a recibir un gesto bondadoso gratuitamente y sin importar a quién; sin embargo, es este mismo hito el que contagia a aquellos que lo reciben a responder con su voluntad. La película no cuenta con una gran espectacularidad, pero sí con una desbordante muestra de entrega y afectividad.

La historia es inocentemente vista a través de los ojos de un niño que se cría bajo los cuidados de una madre desequilibrada e irresponsable (el carácter del joven Trevor a veces acoge el papel adulto para cuidar a su madre, quien está rendida al alcohol y a un trabajo que la ata la mayor parte de las horas del día), en los suburbios de Los Ángeles y educado en un colegio donde en el recreo impera la ley del más fuerte. Igualmente, su profesor (Kevin Spencer), es un hombre trastornado interior y exteriormente quien, tras una dura coraza, esconde un profundo dolor por un pasado no muy diferente al de Trevor. El niño, en un principio, convierte la tarea de su clase de sociales en un objetivo escolar; sin embargo, al final lo motiva para darse cuenta que con sus acciones, muchas personas realmente pueden dar un importante salto que los libere de su esclavitud personal.

La directora Mimy Leder (que ha realizado otros largometrajes de notable éxito, como Deep Impact o The Code) recoge el argumento de la novela de Catherine Ryan Hyde para implantar en el espectador la semilla que nos mueva a reconocer que todos nosotros somos capaces de afectar diariamente en nuestras vidas, basta con simples gestos de bondad, que ayuden en la cosecha de un mundo mejor.

La interpretación del pequeño Haley Joel Osment es brillantísima, que declara una gran intensidad de una manera muy sincera y sencilla, reflejo de la inocente voluntad y empeño de un niño que verdaderamente se siente responsable de cargar con el enorme peso del mundo. Kevin Spencer y Helen Hunt representan los extremos de la balanza que acoge el protagonista de la película: una mujer desequilibrada que encuentra la liberación de sus desconsuelos en un hombre que parece firme y cálido, pero quien igualmente esconde un desorden emocional.

Sin duda, la fotografía de la película es bastante sencilla, ya que se centra en captar la esencia de cada personaje, su alma y singularidad, en el significado e intensidad de una mirada o de un simple gesto de generosidad. La trama se muestra tan equilibrada, que vamos viendo los reales frutos de la cadena de favores, cómo, aunque parezca que la gesta se detiene en el círculo de los tres protagonistas, los favores se expanden entre las personas convirtiéndolo en algo sorprendente, en una ola imparable.

El erróneo sentido del proyecto de la cadena de favores, es que los protagonistas que la siguen acaban actuando más como una obligación de continuarla que como un acto voluntario y de entrega total, lo que conlleva que arrastren la tarea, más como una deuda que como un regalo.

Así se cambia el mundo

[decine21]

Comienzo de curso en el cole. El nuevo profe de sociales propone a sus alumnos un trabajo: “Piensa una idea para hacer del mundo un sitio mejor.” A Trevor, un chaval muy espabilado, se le ocurre una: hacer tres favores, y que los beneficiados hagan lo mismo, y así hasta el infinito y más allá.

Que nadie piense, por el argumento, que esta peli es una cursilada. Mimi Leder dirige un drama sensible, con tres espléndidos actores (Hunt y Spacey ya tienen un Oscar en su haber y Osment fue candidato), que dan lo mejor de sí. La exploración del dolor que ocasiona el matrimonio roto de los padres de Trevor, y la creación de un profesor nada estereotipado, que va como derrotado por la vida, justifican sobradamente el visionado de este film. Ya sólo el arranque de la narración (el profesor de espaldas ante la pizarra, el modo en que consigue la atención de sus pupilos) es un buen botón de muestra de que Leder ha mejorado tras la cámara después de films como El pacificador y Deep Impact.

La cadena de favores del film no puede hacerse de cualquier manera. Éstas son las reglas de Trevor para que la cosa funcione:
1) Tiene que ser algo que realmente ayude a las personas
2) Tiene que ser algo que no puedan hacer por sí mismas
3) Yo lo hago por ellas, pero ellas deben hacer a su vez por otras tres personas.
Así que ya lo sabes: sigue las reglas y cambia el mundo.

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La maldición de Roockford supone la puesta de largo tras las cámaras de Nick Murphy, cineasta de forja televisiva que también firma el libreto original junto con Stephen Volk, y que cuenta con un interesante reparto en el que Dominic West y la veterana Imelda Staunton le dan la réplica a Rebecca Hall.

PELÍCULA RECOMENDADA POR CINEMANET Título Original: Courageous País: Estados Unidos Año: 2011 Dirección: Alex Kendrick Guión: Alex Kendrick y Stephen Kendrick Intérpretes: Alex Kendrick, Ken Bevel y Kevin Downes Productora: Sherwood Pictures / TriStar Pictures / Alabama Production Group Duración: 129 min. Fecha de estreno en Estados Unidos: 30 septiembre 2011 Fecha de estreno en España: directamente en DVD Género: Drama

SINOPSIS

Como agentes de policía, Adam Nitchell, Nathan Hayes y sus compañeros se enfrentan cada día a la corrupción de este mundo, pero cuando termina su jornada de trabajo, tienen que afrontar un reto para que el que ninguno de ellos está preparado: ser padre. Si bien se entregan de lleno constantemente en su trabajo, pronto descubren que sus hijos empiezan a distanciarse cada vez más de ellos.

Afectados por una tragedia personal, estos hombres se ven obligados a renovar su fe para establecer lazos afectivos con sus hijos, ¿Encontrarán la forma de servir y proteger a aquellos a los que más quieren?

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CRÍTICAS

[Ana María Pérez-Guerrero - Colaboradora de Cinemanet]

Tras Flyweel, Facing the Giants y Prueba de fuego, Sherwood Pictures, productora de la Iglesia Bautista de Sherwood (Albany, Georgia), nos ofrece La fuerza del honor.  Un film que se estrenó en 2011 con éxito de recaudación, (cuarto lugar en la listas del boxoffice el fin de semana de su estreno), y que ahora llega a España en DVD.

Adam, Nathan, David y Shane, policías de la localidad de Albany, y Javier, un obrero en busca de trabajo, son buenos profesionales, entregados a su labor de servir y proteger, así como responsables proveedores de sus hogares. Sin embargo, al llegar a casa, lo “necesariamente bueno” parece ser lo único que pueden alcanzar como padres. Pero un día, la experiencia del dolor tocará la vida de uno de ellos, lo que será el detonante para que el grupo descubra la misión a la que están llamados como cabezas de familia.

Dirigida, protagonizada y co-escrita por Alex Kendrick, La fuerza del honor sigue la línea de las producciones de Sherwood Pictures. Algo natural, puesto que se trata del realizador y guionista habitual de la casa. Sin embargo, en esta cinta se percibe cierta evolución formal. Ofrece varias secuencias de acción emocionantes que están combinadas hábilmente con escenas de humor y drama. En general, el resultado es digno, aunque el verdadero interés de este film radica en su historia.

El guión que firman Alex Kendrick y su hermano Stephen adolece de cierto didactismo. No obstante, su propuesta es sugerente. A partir de la cita bíblica del libro de Josué “por mi parte, mi familia y yo serviremos al Señor” (24:15), la premisa que da pie al relato se centra en la determinación de afrontar los retos que supone la paternidad vivida como misión, y el coraje que se requiere al vivir de acuerdo a unos principios.

Los Kendrich aciertan al proponer la coherencia de vida y la amistad como la mejor manera de influir en la vida de los hijos. Una tarea en la que el hombre no está solo. En el film se propone el trato asiduo y confiado con Dios como pilar que sustenta este itinerario de vida, junto a la unión entre los esposos, el amor a los vástagos y la amistad sincera y recia con otros. Más allá de las convicciones de cada quien, esta película ofrece una reflexión conveniente y oportuna. La ausencia de un progenitor, bien por desatención a acusa del trabajo o por abandono del hogar, es el origen de numerosos problemas sociales, basados en la desorientación de los jóvenes. Además, en un mundo en el que se nos anima a ser los mejores en diversos ámbitos, no resulta descabellado que consideremos ser más exigentes con nuestro desempeño como padres. Encontrar una manera de incidir de manera real y positiva en la vida de nuestros hijos. Una tarea que vale la pena. No en vano, el honor y los valores se aprenden en casa. Un asunto en el que, sin duda, todos estamos de acuerdo.

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