ESTRENO RECOMENDADO POR CINEMANET Título Original: The Muppets Año de producción: 2011 País: Estados Unidos Estreno en Estados Unidos: 23 de noviembre de 2011 Estreno en España: 3 de febrero de 2012 Dirección: James Bobin Intérpretes: Jason Segel, Amy Adams, Chris Cooper, Rashida Jones, Emily Blunt, John Krasinski, Zach Galifianakis, Jack Black, Selena Gómez, Whoopi Goldberg, Ricky Gervais, Alan Arkin, Neil Patrick Harris. Guión: Nicholas Stoller y Jason Segel (basado en los personajes creados por Jim Henson) Música: Christophe Beck Fotografía: Don Burgess Duración: 103 min. Género: Comedia familiar, musical Público Apropiado: Todos los públicos

SINOPSIS

Durante sus vacaciones en Los Ángeles, Walter, el fan número uno de los Muppets, y sus amigos Gary y Mary descubren que el hombre de negocios Tex Richman planea arrasar el Teatro de los Muppets para perforar y extraer el petróleo hallado debajo. Walter, Mary y Gary deciden reunir de nuevo a los Muppets y montar el mayor Telemaratón jamás visto para recaudar el dinero necesario para salvar el teatro.

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CRÍTICAS

[Ana María Pérez-Guerrero - Colaboradora de Cinemanet]

La cinta que nos ocupa es un sentido homenaje a Jim Henson y a su creación más famosa, Los Muppets o Teleñecos, como se le conoce en España. Los responsables de esta iniciativa son el conocido actor Jason Segel (Cómo conocí a vuestra madre), quien encarna a uno de los personajes principales de la historia, ejerce la labor de productor ejecutivo y firma el guión junto al director Nicholas Stoller (Paso de ti).

Tras la cancelación de Los Muppets, la pandilla de marionetas se desintegra y cada uno hace su vida por separado. Por otra parte, el teatro en el que se grababa el show pasa de ser un museo ruinoso y poco popular a ser propiedad de un magnate del petróleo, quien planea derribarlo, pues espera encontrar petróleo en sus terrenos. Pero Walter, un incondicional del programa, su hermano Gary (Jason Segel) y la novia de éste, Mary (Amy Adams), se alían con la rana Gustavo para reunir nuevamente a los Teleñecos. Juntos harán una telemaratón con el fin de recaudar fondos que les permitan recuperar su antiguo local.

La historia, como se puede deducir, no tiene un argumento especialmente original. De hecho, es la conversión a largometraje de un episodio de El Show de los Muppets. Sin embargo, esto no es un rasgo negativo en esta producción. Si bien es una película que va de menos a más, se trata de un film en el que se puede disfrutar de un humor limpio, cargado de gags efectivos, en los se apela frecuentemente a lo metacinematográfico. Además, ofrece buenas interpretaciones, en especial la de Amy Adam y coloridos números musicales. Especial mención se merecen los números Man or Muppet o Pictures in My Head. Pero la clave de esta cinta es sin duda el aprovechamiento de numerosos cameos que sirven para actualizar los personajes a las generaciones más recientes y divertir a todos. Entre las estrellas que participan en la película se pueden mencionar Emily Blunt, Whoopi Golberg, Neil Patrick Harris, Selena Gómez, Zach Galifianakis, Jim Parsons, Jack Black, entre otros.

El guión de la cinta aborda de manera algo superficial asuntos como lo efímero que pude ser el éxito, la nostalgia de tiempos pasados y la confianza en uno mismo para tomar las riendas de la propia vida.

En suma, se trata de una película entretenida y nostálgica, que puede ser una buena opción para toda la familia.

[Decine21]

El regreso del “Maná, maná”

El gran Jim Henson (Cristal oscuro) creó en 1964 a Los Muppets, personajes anteriormente conocidos en España como Los Teleñecos. Walt Disney adquirió en 2004 los derechos de todos los personajes de Henson, y la compañía anunció que Miss Piggy, la Rana Gustavo y compañía protagonizarían una película de primer nivel. Aunque se ha hecho de rogar, finalmente ha llegado a las pantallas.

Un magnate malvado planea derribar el teatro donde los Teleñecos grababan su popular show televisivo, porque en el subsuelo espera encontrar petróleo. Con ayuda de Walter, un apasionado fan del programa, su hermano y la novia de éste, la Rana Gustavo tratará de reunir a sus antiguos compañeros, ahora dispersos en ocupaciones variopintas, con la idea de poner en marcha un telemaratón para recaudar el dinero necesario para salvar su antiguo local.

Jason Segel, conocido por la serie Cómo conocí a vuestra madre, ha sido el gran impulsor del film, en el que ejerce como coguionista, productor ejecutivo, y además es el protagonista junto con Amy Adams. Se nota que estamos ante un programa televisivo de media hora del que han sacado un largometraje, lo que no resulta fácil. Sin embargo se acierta a la hora de apelar a la nostalgia de quienes fueron niños cuando los personajes se hicieron populares, pues por ejemplo aparece la sintonía del programa y el célebre tema musical “Maná, maná”.

Además, los personajes protagonizan gags graciosos, algunos metacinematográficos, y están arropados por divertidos cameos de famosos como Jack Black, Selena Gomez, Whoopi Goldberg, Alan Arkin, Zach Galifianakis, Neil Patrick Harris, John Krasinski y hasta -brevemente- el veterano Mickey Rooney. En cines se estrena con el atractivo acompañamiento del genial corto de Pixar titulado Pequeño Gran Buzz.

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El próximo día 24 de febrero de 2012, viernes, por la noche a partir de las 21 horas, tendrá lugar en el Gran Hotel Velázquez de Madrid (c/ Velázquez 62) el acto de entrega de los premios Cinematográficos “Personaje”y uno de los Premios “Familia” creados ambos por CinemaNet. Asistirán los directores y algunos actores de las películas “Maktub” y “El Estudiante”, otros cineastas y actores, así como diversas personalidades de la sociedad civil.

Recibirá el premio “Personaje” el director de “Maktub” , Paco Arango, y el “Familia” el director de “El Estudiante”, Roberto Girault. Este último se desplazará ex professo desde México para asistir al evento. Asimismo, se hará referencia a otra película premiada, “Criadas y señoras”, cuya criada negra está también galardonada.

Junto a la entrega de premios, será un encuentro de personas que, además de amantes del cine, entienden que éste es un gran medio para promover valores humanos, familiares y educativos. Precisamente el premio “Personaje” galardona a un personaje de ficción que de una forma u otra encarna tales valores, y el premio “Familia” lo expresa de una manera aún más explícita centrándolo en el ámbito familiar.

Diversos asistentes al Congreso de Cine y Educación celebrado el pasado mes de octubre en Madrid han expresado su satisfacción por este evento y confirmado su deseo de asistir.

El acto es abierto y quienes deseen inscribirse pueden hacerlo. El precio de la cena es de 40 euros (30 para socios de Cinemanet). Pueden ingresarse en la cuenta de la Asociación CinemaNet: 2100    3263    68    2100863616
indicando el nombre y apellidos y número de personas asistentes. Para que la inscripción sea completa, deberán enviar por email resguardo de la transferencia o pago, junto con su nombre y apellidos para la identificación, a mariadolores[ARROBA]cinemanet.info.

Quienes deseen más información pueden contactar con:
daniel[ARROBA]cinemanet.info        o      mariadolores[ARROBA]cinemanet.info

En Los descendientes, Matt King (George Clooney), casado y padre de dos niñas, se ve obligado a reconsiderar su pasado y a encauzar su futuro cuando su mujer sufre un terrible accidente de barco en Waikiki. Matt intenta torpemente recomponer la relación con sus hijas —la precoz Scottie, de 10 años, y la rebelde Alexandra, de 17—, al mismo tiempo que se enfrenta a la difícil decisión de vender las tierras de la familia.

ESTRENO RECOMENDADO POR CINEMANET Título Original: War horse Título: Caballo de batalla Dirección: Steven Spielberg Países: USA y Reino Unido Año: 2011 Género: Drama, bélico Interpretación: Jeremy Irvine, David Thewlis, Emily Watson, Toby Kebbell, David Kross, Peter Mullan, Niels Arestrup, Eddie Marsan, Benedict Cumberbatch, Tom Hiddleston, Celine Buckens Guion: Lee Hall y Richard Curtis; basado en la novela de Michael Morpurgo Producción: Frank Marshall y Steven Spielberg Música: John Williams Fotografía: Janusz Kaminski Montaje: Michael Kahn Diseño de producción: Rick Carter Vestuario: Joanna Johnston Distribuidora: The Walt Disney Company Spain Estreno en España: 10 Febrero 2012.

SINOPSIS

War horse (Caballo de batalla), basada en una novela de Michael Morpurgo, nos contará la extraordinaria historia de amistad que surge entre el joven Albert y un caballo llamado Joey, separándose sus caminos a causa de la Primera Guerra Mundial. El padre de Albert vende a Joey a la caballería del ejército británico para luchar en el frente. Joey será testigo de un extraordinario periodo de la Historia con la Gran Guerra como trasfondo. A pesar de los obstáculos que encuentra en su camino, su coraje será fuente de inspiración para todos los que se cruzan con el noble animal. Albert no puede olvidar a su caballo y abandona su hogar para luchar en los campos de batalla de Francia. Allí busca incansablemente a su amigo para traerlo sano y salvo a casa.

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CRÍTICAS

[Mª Ángeles Almacellas - Colaboradora de CinemaNet]

War Horse (Caballo de batalla) está ambientada en la Inglaterra rural, aunque la mayor parte de la acción transcurre en campos de batalla de Europa, durante la Primera Guerra Mundial. La película comienza con el relato de la extraordinaria amistad entre un magnífico caballo pura sangre llamado Joey y Albert, su joven dueño, encargado de domarlo y entrenarlo. El caballo es apartado de su dueño y pasa a ser propiedad del ejército británico que sale hacia el frente de combate. A partir de ese momento, la película sigue las peripecias del animal a través de territorios en guerra, cómo va pasando por distintas manos, en territorio inglés, en zona alemana o en tierra de nadie.

El hilo conductor del argumento es el viaje del animal en pleno conflicto bélico, pero, a pesar de que el protagonista de la película es un caballo, su relación con los distintos personajes mantiene vivo el interés del espectador.

Spielberg no elude presentar el horror de la guerra, la tormenta de sangre y fuego que asola los campos de Europa. “En la guerra todos perdemos todo”, se repite. Sin embargo no se detiene en los aspectos más sórdidos e inhumanos. La muerte y la destrucción están presentes, pero hay un tono épico, de defensa del honor y la patria, de fidelidad al rey y de confianza en Dios.

La película es de una gran belleza y retiene en todo momento el interés y hasta la tensión del espectador, pero lo más interesante de War Horse lo constituyen los valores que encarnan cada uno de los personajes que tienen relación directa con Joey. El padre de Albert, héroe de guerra, pero que no asume que la violencia sea la solución a ningún conflicto y lleva la amargura de haber matado, aunque fuera en defensa de una causa noble. La madre, que ama a su marido y se esfuerza en comprenderlo. Albert, que no escatima esfuerzos y perseverancia por ayudar a sus padres y salvar a su caballo. El oficial que compra el caballo, sensible a la amistad y al dolor del joven Albert, y fiel a su palabra. Los adolescentes divididos entre el amor a la patria y la fidelidad a la promesa hecha a la madre. El abuelo que cuida de su frágil nieta. El soldado alemán que se ocupa cuanto puede de Joey. Los dos valientes soldados, en tierra de nadie, hermanos en su actitud generosa. Los compañeros solidarios, con los sentimientos de Albert… Y en todos ellos, un profundo sentido religioso, que da el vigor para adentrarse heroicamente ante las trincheras enemigas, musitando entre labios temblorosos: “El Señor es mi pastor, nada me falta…”

Spielberg muestra la guerra en gran angular, como la maravillosa carga de la caballería o el fuego de los cañones retumbando con estrépito. Pero se acerca en zoom a cada uno de los personajes, seres de carne y hueso, palpitantes de humanidad, que creen en Dios, aman a su patria y la defienden, pero no se sienten enemigos de nadie, sino hermanos. Así la película resulta un magnífico relato épico, pero es, sobre todo, un canto a la humanidad, a la amistad y a la capacidad de esfuerzo, renuncia y sacrificio por el bien de los demás.

[decine21]

Mañana, en la batalla, relincha por mí

Vísperas de la Primera Guerra Mundial en Inglaterra. El tozudo Ted Narracott se empeña en comprar un caballo pura sangre para las tareas de su granja pagando un elevado precio, por una estúpida rivalidad con el terrateniente que le arrienda sus tierras. Su joven hijo Albert se ocupará de domar a Joey para lograr lo que parece imposible, que sea capaz de arar un campo. Las dificultades económicas obligarán a vender al caballo al ejército, el primer paso de un emocionante periplo para el animal, que se prolonga a lo largo de toda la contienda.

Notable adaptación de la novela de Michael Morpurgo, que estaba narrada con talento desde el punto de vista del caballo del título. Steven Spielberg y sus dos guionistas Richard Curtis y Lee Hall han renunciado a intentar trasladar esta óptica a la pantalla, un desafío del que seguramente podían haber salido escaldados, lo que no obsta para que en un buen puñado de escenas Joey sea protagonista principal, y exista una clara fidelidad al original. De modo que el film sigue un enfoque más tradicional, en la línea del western Winchester 73, en que vemos cómo el caballo pasa por distintas manos que se ocupan de él, la primera de ellas y la más importante la del joven Albert. Ello permite presentar distintos escenarios y personajes donde cambia el tono, pero siempre está presente la humanidad, seres de carne y hueso con ilusiones, y que al tiempo sufren diversas penalidades: los padres sufridores, el oficial de palabra, los adolescentes obligados a alistarse, el cuidador de caballos, el abuelo que se ocupa de su nieta enferma… Hay acierto en un reparto sin grandes estrellas pero sí con grandes actores.

No se hurta el horror de la guerra y el inevitable miedo, pero no hay regodeo en mostrar sus peores efectos, prevaleciendo en cambio el tono épico, la idea del cumplimiento del deber y de la lucha como “brothers in arms”, en el combate todos son hermanos aunque hayan podido tener diferencias. Ayuda mucho a la atmósfera la formidable partitura musical de John Williams. En realidad gran parte del equipo habitual de Spielberg -el director de fotografía Janusz Kaminski, el montador Michael Khan, la productora Kathleen Kennedy…- ayudan a que la ambientación sea perfecta.

Hay mucha cinefilia y maravilloso clasicismo en el film de Spielberg, mucho más logrado que su otro trabajo de 2011, la tarea imposible de llevar Tintín satisfactoriamente a la pantalla grande. Enmarcan el film pasajes deudores de John Ford, el desafío en la granja del primer acto, o la escena con el sol poniéndose con que se llega al final. Pero entre medias hay guerra, mucha guerra, la maravillosa carga de la caballería, o las trincheras que nos retrotraen a Stanley Kubrick y sus Senderos de gloria. Hay momentos maravillosos, que sólo el talento de un gran cineasta sería capaz de pasar satisfactoriamente del papel a la pantalla: destaca esa versión equina de la tregua de Feliz Navidad, o aquel que no es cuestión de destripar y que podríamos calificar de “milagroso”, con un “ciego que ve” y un incrédulo que no mete las llagas en ningún costado como Santo Tomás, pero casi.

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[Enrique Almaraz Luengo. Colaborador de CinemaNet]

Cuando se cumple un mes del fallecimiento de uno de los mejores profesionales del doblaje en España, don Rogelio Hernández (voz, entre otros, de Paul Newman, Michael Caine, Jack Nicholson o Marlon Brando), la disyuntiva de si doblaje sí o doblaje no toma un cariz más sensible si cabe entre quienes disfrutamos – también –  del cine doblado. Aquí incluyo tanto a quienes conocemos las identidades de esas voces que suenan en boca de otros como a un amplísimo volumen de un público que ha aprendido, a fuerza de costumbre y enamoramiento, a que determinados timbres pasen a formar parte indisociable de las películas y por extensión, de su vida misma.

El doblaje surgió en Hollywood como respuesta económica e industrial a las fallidas “dobles versiones” que repetían argumentos exitosos en otro idioma sin que la taquilla experimentara el mismo efecto, pues el público quería ver a las estrellas y no a sucedáneos. No es, como muchos creen, un invento franquista (los primeros doblajes nacionales datan de los tiempos de la República), como tampoco su función excesivamente transformista ni numerosa su influencia en el resultado final (como sí lo fueron los tijeretazos o directamente la prohibición de títulos). En España, la calidad de la profesión (particularmente en épocas doradas, aunque aún hoy suele considerarse el mejor doblaje del mundo,  junto a Alemania tal vez) ha alimentado la acogida de una técnica cinematográfica más, parte esencial de la exportación y difusión de la obra, consiguiendo lo más importante: no convertirse en el protagonista. El fin del doblaje es pasar inadvertido, señal de que las cosas se han hecho bien.

El argumento más empleado por los defensores de la versión original es el de la conservación de una parte fundamental de la interpretación. Cierto e innegable. Pero el cine, además de arte, es comunicación y la propia naturaleza de la obra en el sentido estrictamente sonoro rechaza la lectura de subtítulos, que atentan – sí, atentan, y negarlo es estar ciego – contra elementos visuales tan propios de la película (gestos, miradas, objetos, fotografía, etc.) como pueda serlo la voz de un intérprete. Tal vez por eso algunos de los más grandes, como Alfred Hitchcock, Woody Allen o Steven Spielberg prefirieran o prefieran el doblaje al subtitulado. Cuando uno de los mejores dialoguistas italianos fue llamado por Jeff Davidson, supervisor de doblaje y subtítulos para Europa de Columbia y otras compañías, para que subtitulase “Septiembre” con motivo de su estreno en el Festival de Venecia, respondió: “Me niego a convertir los diálogos de una película maravillosa en un telegrama”. En la misma línea, Juan Miguel Lamet escribía para ABC Cultural en 2003: “[Algunos] prefieren perderse las imágenes de ‘Casablanca’ mientras leen velozmente subtítulos fragmentarios y equívocos antes que permitir que la voz de Ingrid Bergman sea la bellísima de María Massip”. Su argumentado escrito defendía dos grandes tesis: la necesidad de traducción (acorde a la que se acepta sin miramientos en la literatura) y el tratamiento del doblaje como una mentira más del cine, no más manipuladora que el montaje. El ideal no existe, nos pongamos como nos pongamos.

¡Qué bonito sería poder entender y dominar todas las lenguas para poder disfrutar de las obras tal y como fueron concebidas! Si Shakespeare pudo cambiar el latín por el inglés al escribir “Julio César”, ¿es sustancialmente peor que nos llegue una traducción de sus palabras para Marco Antonio en la voz de Juan Luis Suari en lugar de la de Marlon Brando? Pero es que el doblaje también existe en la versión original: por ejemplo, el alemán Gert Fröbe en “James Bond contra Goldfinger” fue doblado en inglés por Michael Collins y Natalie Wood y Audrey Hepburn cantaron “Marni Nixon mediante” en “West Side Story” y “My Fair Lady”, respectivamente, por citar unos ejemplos. En España, la lista sería interminable y no incluiría solamente a rostros que no eran actores, sino, por unos motivos u otros, también a nombres de primera fila que sorprenderían a más de uno. Por cierto, “original” hace referencia al origen, no a la calidad, la cual es susceptible de ser aumentada – también disminuida – por un doblaje. Y los mejores ejemplos de lo primero no se encuentran precisamente en la animación. Las propias estrellas de cine suelen valorar positivamente la labor de sus voces extranjeras y negar su influencia en la apreciación que de determinada película o determinado intérprete hayamos podido forjarnos, con las emociones vividas también con su sonido, es poco menos que negar el Cine mismo.

Volviendo al tema de los idiomas y sabiendo que lo maravilloso sería dominarlos (más allá del simple conocimiento), bien es cierto que la difusión del cine en versión original podría en buena medida fomentar esa función formativa (como en Portugal) y ese punto podría ser muy positivo. Para ello, las soluciones residen más del lado de la política y la educación que del artístico. La supresión del doblaje sería un cierre a la cultura extranjera, la misma censura que se denuncia desde los púlpitos a favor de las subvenciones al cine patrio. La respuesta a la, en general, mala marcha en taquilla del cine español hay que buscarla en la calidad y no en el rival más fuerte del mercado. Es un tema más cinematográfico que idiomático. Cuando la película es de calidad, venga de donde venga, el público le otorga su favor y la rechaza en caso contrario. Poner trabas a la competencia con este fin, como decía en el documental “Voces en imágenes” el actor de doblaje Manolo García (habitual de Robert Redford, Kevin Kline o Steve Martin) “es pretender que a un autor español se le leería más si no se tradujese a Shakespeare”. El fomento de la doble oferta de idiomas (original y español) sería una buena solución, pero como decía, el remedio está más en los despachos que en las salas.

En definitiva: las dos posturas son respetables y la gran ventaja a nuestro alcance consiste en la posibilidad de elección, cuando existe y ojalá se multiplique, más allá del botón de dual en el mando a distancia. El doblaje puede tal vez ser un “mal necesario”, pero cuando se sopesan las ventajas e inconvenientes que produce, refutadas con vigor por el talento de las cosas bien hechas, el término “mal” del sintagma debe ser desterrado.

PD: Si les pica la curiosidad por conocer identidades, no dejen de visitar la página www.eldoblaje.com,  en la que tengo el gran placer de colaborar desde hace años y gracias a la cual he aprendido a valorar un poquito más si cabe este gran arte en la sombra.

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El próximo día 24 de febrero de 2012, viernes, por la noche a partir de las 21 horas, tendrá lugar en el Gran Hotel Velázquez de Madrid (c/ Velázquez 62) el acto de entrega de los premios Cinematográficos “Personaje”y uno de los Premios “Familia” creados ambos por CinemaNet. Asistirán los directores y algunos actores de las películas “Maktub” y “El Estudiante”, otros cineastas y actores, así como diversas personalidades de la sociedad civil.

Recibirá el premio “Personaje” el director de “Maktub” , Paco Arango, y el “Familia” el director de “El Estudiante”, Roberto Girault. Este último se desplazará ex professo desde México para asistir al evento. Asimismo, se hará referencia a otra película premiada, “Criadas y señoras”, cuya criada negra está también galardonada.

Junto a la entrega de premios, será un encuentro de personas que, además de amantes del cine, entienden que éste es un gran medio para promover valores humanos, familiares y educativos. Precisamente el premio “Personaje” galardona a un personaje de ficción que de una forma u otra encarna tales valores, y el premio “Familia” lo expresa de una manera aún más explícita centrándolo en el ámbito familiar.

Diversos asistentes al Congreso de Cine y Educación celebrado el pasado mes de octubre en Madrid han expresado su satisfacción por este evento y confirmado su deseo de asistir.

El acto es abierto y quienes deseen inscribirse pueden hacerlo. El precio de la cena es de 40 euros (30 para socios de Cinemanet). Pueden ingresarse en la cuenta de la Asociación CinemaNet: 2100 3263 68 2100863616
indicando el nombre y número de personas asistentes.

Quienes deseen más información pueden contactar con:
danielcinemanet.info o mariadolores[ARROBA]cinemanet.info

Somjoves Futuros Emprendedores, con la colaboración de CinemaNet y con Film-Historia de la Universidad de Barcelona, realiza entre el 23 de febrero y el 21 de junio el Segundo Curso-taller de Cine Documental. La cuota es de 250 euros. “Son aportaciones de época de crisis, para dar facilidades a cuantos estén interesados”, manifestó Juan Zayas, director de SomJoves.

El curso está previsto tanto para estudiantes como para licenciados en cualquier profesión, aunque los más interesados habitualmente suelen ser los licenciados en historia, antropología, sociología, psicología, periodismo, comunicación audiovisual y otras.

El curso tiene por objetivo dotar a las personas interesadas de una base sólida de conocimientos técnico-prácticos para que puedan realizar sus propias producciones.  Se darán 6 créditos de libre elección. La fecha de inscripción termina el 22 de febrero y las plazas son limitadas.

Las sesiones se impartirán en la Facultad de Geografía e Historia de la Universidad de Barcelona (c/ Montalegre 6, 4º), en el Departamento de Film-Historia.

Para información e inscripciones   info[ARROBA]somjoves.net   o Tel. 933 135 689

El pasado viernes, 27 de enero, dio comienzo el ciclo Cineclub Valencia 2012 coordinado por Cinemanet, CEU Cine club, Universidad Cardenal Herrera y la Fundación Mainel, con la colaboración de la Fundación Esycuy Centre Ciutat Vella. El acto fue moderado por Jesús de la Llave, profesor de la Universidad Cardenal Herrera CEU. En la primera de las sesiones sirvió de base la película “The visitor”, de Tom McCarthy.

Valencia.- El lema del Cineclub del presente año en las actividades que en Valencia organiza CinemaNet con las instituciones antes citadas es “Cuestión de identidad” y consta de seis sesiones que se desarrollarán en el salón de actos de la Fundación Mainel.

Con una asistencia de unas 50 personas y una animada participación del público, la primera de las sesiones fue un cónclave de razonamientos y análisis referentes al ser humano y sus circunstancias. ´Tras la proyección de la película, desde la perspectiva de cuestión de identidad se trataron temas como la inmigración y la integración y soluciones legales acerca de la aceptación de los extranjeros en países del primer mundo. La discusión y reflexión se centró en el rigor de las autoridades gubernamentales al tratar el tema de la  inmigración ilegal, así como el arraigo y desarraigo cultural de los inmigrantes.

Otro punto neurálgico del debate sostenido tuvo relación con la solidaridad y convivencia. También se dialogó sobre el guión, fotografía, dinámica, planos cinematográficos, progreso de la trama y relaciones interpersonales de los personajes.

Las sesiones son abiertas y gratuitas, desarrollándose todos los últimos viernes de mes, a excepción del mes de junio. La próxima sesión tendrá lugar el 24 de febrero, siendo la película proyectada y debatida “También la lluvia”, de Icíar Bollaín.

Más información sobre este ciclo

El compositor e intérprete de música de cine Joan Pineda i Sirvent ha sido el ganador de la Ola de Oro de los Premios Cinematográficos “Familia”, que concede la Asociación CinemaNet, por su trayectoria profesional a lo largo de su vida. El jurado del premio ha reconocido las aportaciones de Pineda al mundo del cine, así como sus valores humanos, que ha desarrollado también como médico internista, profesión a la que se ha dedicado a lo largo de su vida y que ha compaginado con su creación en música de cine.

Barcelona.-Nacido en Barcelona en 1931, Pineda ha musicado centenares de películas de muchos directores de la época muda, como Chaplin, Meliès, Chomón, Griffith, Sjöstrom, Murnau y otros. Ha sido uno de los pioneros en España en defender y difundir la música de cine a través de los medios de comunicación. Se inició en este aspecto en 1960 cuando debutó con el programa “Cine sin imágenes” en Radio Barcelona, lo hizo también en Ràdio 4, e intervino en algunos programas de Televisión Española.

Su dedicación al cine ha sido más vocacional que profesional, aunque puede considerarse que ha sido una persona con dos profesiones. Él se siente profundamente “médico”. Hizo estudios de música en el Conservatorio Superior Municipal de Música de Barcelona y los continuó en la Academia Caminals, pero nunca los terminó precisamente para dedicarse a la Medicina.

Su inicio en este campo de la música de cine fue curiosa e imprevista: En una sesión en que se iba a proyectar el “Fausto” de Murnau con acompañamiento de discos y a la que Pineda asistía como espectador, se estropeó el aparato que iba a reproducir los vinilos. Como había en la sala un piano, Pineda, con iniciativa y osadía, se puso a tocar el piano supliendo la deficiencia técnica. Y a partir de ahí saldría lo que ha sido una larga trayectoria musical en el cine.

Ha participado en numerosos festivales nacionales e internacionales y es colaborador habitual de la Filmoteca de Cataluña. Precisamente será en la Filmoteca donde el 20 de marzo se le hará entrega del premio, en un acto que presidirá el conseller de Cultura de la Generalitat, Ferran Mascarell.

Más información:  Daniel Arasa, director de CinemaNet y presidente del Jurado: Tel. 626 619 537

ESTRENO Título Original: J.Edgar Año de producción: 2011 País: Estados Unidos Estreno en Estados Unidos: 9 de noviembre de 2011 Estreno en España: 27 de enero de 2012 Dirección: Clint Eastwood Intérpretes: Leonardo Di Caprio, Naomi Watts, Armie Hammer, Josh Lucas, Ed Westwick, Judi Dench, Damon Herriman, Jeffrey Donovan, Dermot Mulroney, Denis O’Hare Guión: Dustin Lance Black Música: Clint Eastwood Fotografía: James J.Murakami Duración: 137 min. Género: Biografía, drama

SINOPSIS

A lo largo de su vida, J.Edgar Hoover llegó a ser el hombre más poderoso de Estados Unidos. Durante sus casi 50 años como director del FBI (Oficina Federal de Investigación), no hubo nada que le impidiera proteger a su país. Hoover sobrevivió a ocho presidentes y a tres guerras, luchando contra amenazas reales e inminentes y saltándose las reglas a menudo con el fin de mantener a salvo a sus compatriotas. Sus métodos eran tan despiadados como heroicos, siendo la admiración del mundo su premio más codiciado y a la vez el más difícil de alcanzar. Hoover era un hombre que daba mucha importancia a los secretos, especialmente a los de los demás, y que no temía usar esa información para ejercer autoridad sobre las figuras líderes de la nación. Comprendiendo que el conocimiento es poder y que el miedo representa oportunidad, utilizó ambos elementos para ganar una influencia sin precedentes y construirse una reputación que era tan formidable como intocable. Preservaba su vida privada igual que la pública, permitiendo solo a unos cuantos formar parte de su pequeño y custodiado círculo de confianza. Su compañero más cercano, Clyde Tolson, también era su amigo más fiel. Su secretaria, Helen Gandy, quizá la persona que mejor conocía sus planes, fue leal hasta el final y más allá. Únicamente le abandonó su madre, quien fue su inspiración y su conciencia, y cuya muerte destrozó a un hijo que siempre buscó su amor y su aprobación. A través de los ojos del propio Hoover, “J. Edgar” explora la vida y las relaciones públicas y privadas de un hombre que podía distorsionar la verdad con la misma facilidad con la que la defendió durante una vida dedicada a su propia idea de la justicia, a menudo dominada por el lado más oscuro del poder.

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CRÍTICAS

[Enrique Almaraz Luengo - Colaborador de Cinemanet]

En 1924, el joven J. Edgar Hoover fue nombrado director general del FBI con la misión de organizar, modernizar y dinamizar la institución. Durante su liderazgo, que mantuvo hasta su muerte en 1972, Hoover dirigió con mano dura y firme convicción uno de los pilares más importantes de la Historia reciente, temor de la delincuencia y otros. Desde su despacho vio ocupar la Casa Blanca a siete presidentes, sobreviviendo profesionalmente hablando a quienes quisieron derrocarlo y su temido archivo, repleto de información privilegiada capaz de acabar con cualquiera, fue su vara silenciosa y amenazante para las altas esferas. Poderoso, temido y controvertido, acaso también bastante misterioso y desconocido, “J. Edgar” se presenta como una buena oportunidad de aproximación a su figura.

Con un innegable sentido del ritmo narrativo y la utilización con soltura de recursos estéticos y hasta poéticos relacionados con el espacio, el tiempo y los elementos visuales, Clint Eastwood vuelve a colocarse detrás de la cámara (delante ya no volverá a hacerlo, después de anunciar su retirada como actor) para plasmar en imágenes la vida de J. Edgar Hoover, el alma mater del FBI eternamente presente en la organización y de cuyo fallecimiento se cumplen 40 años el próximo 2 de mayo. Si no su vida, sí muchos hechos claves de la misma, tanto a nivel personal, terreno poco explorado, como a nivel profesional, centrándose en acontecimientos que suponen hitos en los almanaques norteamericanos, social y políticamente hablando. Con guión de Dustin Lance Black, la película es un viaje hacia toda esa época, más allá de los despachos y de las reyertas y redadas (con sombrero y corbata, pero también con ametralladoras), escudriñando su vida familiar al lado de su madre Anna Marie (Judi Dench) o con su equipo fiel, formado por su secretaria Helen Gandy (Naomi Watts) y su mano derecha y algo más Clyde Tolson (Armie Hammer), responsable este último personaje del devenir de la historia hacia el ámbito privado del protagonista. Para dar vida a J. Edgar Hoover, el elegido ha sido Leonardo Di Caprio, un actor que engrandece su carrera prácticamente a cada nuevo proyecto en que se embarca. El ser nuevo intérprete predilecto de Martin Scorsese y trabajar con Eastwood no es fruto de la casualidad. Con J. Edgar ha conseguido llegar al trasfondo y a las motivaciones del personaje, tales como el sacrificio o el significado de servir a tu país, con la consiguiente renuncia a la parcela personal y familiar por sincera entrega a tu causa. Un ejercicio costoso, empezando por las largas sesiones de cinco y seis horas de maquillaje para conseguir el aspecto del último Hoover (Watts y Hammer hicieron lo propio con sus respectivos) con una fidelidad no calcada pero sí en esencia del férreo director. Sus ojos ya no brillan azules, sino marrones, y el ídolo de jovencitas aparca su atractivo para convertirse, cuanto menos, en una versión de su colega finado E. G. Marshall. No es un ataque, sino un elogio. El logro de las caracterizaciones, sin embargo, ha recibido comentarios en contra de la fluidez interpretativa…

Si algo puede echarse de menos en “J. Edgar”, seguramente más responsabilidad de la historia real que de la propia maquinaria cinematográfica, es falta de garra, esa fuerza que te atrapa en un sentido u otro, apelando a un sinfín de sentimientos, para ganarse por entero tu beneplácito. Ese sello Eastwood que en esta centuria hemos podido disfrutar en “Million Dollar Baby”, por ejemplo. Sería injusto decir que esa capacidad la ha perdido, pero si ha faltado mecha en la que quizá era la mayor ambición de la cinta.

En definitiva, “J. Edgar” es una radiografía de aquel período, por lo general en blanco y negro y desde ahora también en sepia o pardo pálido y polvoriento.

[Decine21]

Narciso ante el espejo

La trayectoria en el departamento de justicia estadounidense de J. Edgar Hoover durante casi medio siglo, desde que es un joven ayudante del fiscal, pasando por su dirección del recién creado FBI, hasta su muerte en los años de la presidencia Nixon. Dustin Lance Black estructura la narración alrededor de un Hoover envejecido, que estaría dictando unas narcisistas memorias a diferentes ayudantes, recuerdos más o menos distorsionados que facilitan los diferentes flash-backs.

Clint Eastwood es un grandísimo director, y logra dar empaque y consistencia con su clasicismo a la vida de un personaje muy complejo, con muchos puntos oscuros, y rasgos que invitan a la especulación. Cuenta con la ayuda de un Leonardo DiCaprio memorable, que sabe dotar de muchos matices al solitario Hoover, y un gran trabajo de Naomi Watts como su secretaria; el maquillaje de ambos personajes envejecidos, sobre todo el primero, es asombroso.

El director del FBI estuvo envuelto en tantas investigaciones, que resultaba difícil escoger sobre cuáles construir la historia. El libreto de Black tiene el mérito de optar por algunas que abran la perspectiva al espectador, como los atentados reales llevados a cabo por comunistas y anarquistas en la segunda década del siglo XX -la obsesión con el peligro comunista en EE.UU., tan caricaturizada, tiene una base-, el secuestro del hijo de Lindbergh -que sirve para subrayar el afán de protagonismo de Hoover, pero también su lucha por definir los crímenes federales y la introducción de métodos científicos para investigar-, y los informes secretos y delicados sobre personalidades -que arrojan luz sobre el vértigo del poder y el deseo de control-.

Siendo Black también el guionista de Mi nombre es Harvey Milk, parecía inevitable abordar la cuestión no aclarada de la supuesta homosexualidad de Hoover, quien nunca se casó. El enfoque adoptado no acaba de funcionar, recurre a manidos clichés: la madre que reprime, la consideración de buscarse una esposa como pieza decorativa, o la ceguera y crueldad para no aceptar sin complejos el amor de Clyde Tolson, su fiel colaborador y amigo.

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